LidiaRuano

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Saudades

"Emociones y sensaciones provocadas por el recuerdo se mezclan, dando un sabor agridulce entre la tristeza de lo vivido perdido y la alegría que produce el recuerdo.
Los tonos grises son el pasado, zonas donde las formas se pierden y se van alejando de otras más definidas, acercándose al primer plano del presente, donde está representado por el color.
Se mezclan rosas y hojas nuevas con otras marchitas como paso del tiempo."

Lidia Ruano

Desde Franquearte te invitamos a descubrir la exposición "Flores en la Ciudad" disponible del 16 de abril al 15 de mayo de 2024 en La Gran Vía Cultural de Madrid.

Con inauguración oficial el jueves 18 de abril a las 19:00h en el escenario del nnueve Madrid en la planta baja del Hotel Catalonia de Gran Vía, 9, conoceremos la nueva serie "Saudades" junto a su autora Lidia Ruano quien estará presente para contarnos el proceso creativo que implico poder crear  las impresionantes pinturas al óleo inspiradas en las rosaledas de la ciudad de Madrid y en las profundas emociones que le suscitan. 

La exposición se podrá visitar de lunes a domingos de 10:30h a 22:30h en la planta baja del hotel Catalonia de Gran Vía, 9. 

Lidia Ruano

Madrid 1986

Formada en Bellas Artes en La Escuela Taller de Arte Figurativo, Toledo (España). Especialidad de Pintura.

En los últimos años, ha participado en numerosas Exposiciones Colectivas en diversas ciudades de España (Madrid, Sevilla, Tarragona y Toledo), Corea del Sur (Geoje, Seúl, Yeosu) y Taiwan.

Ha recibido importantes Premios y Menciones, tanto nacionales como internacionales.

Actualmente tiene obras en dos Museos de Arte Contemporáneo:

  • HAEGEUMGANG THEME MUSEUM en Geoje. República de Corea del Sur.
  • MUSEO CROMÁTICA en Toledo. España

El primer trabajo de esta serie que recibió el "Premio Teodoro Andreu de Pintura 2022" y pasó a formar parte del MUMA (Museo Municipal de Alcira). 

Otras Obras:

Copyright © 2024. Todos los derechos reservados. Para más información escríbenos a franquearte@gmail.com

LuzFumaneri

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Articulo del diario EL MUNDO en una entrevista a la artista Luz Fumaneri

Luz Fumaneri (artista emergente)

Retrato de la artista emergente Luz Fumaneri

 Luz Fumaneri nació en 1986 en la ciudad de Buenos Aires (Argentina). Recibe allí desde muy pequeña sus primeras lecciones de dibujo y pintura a cargo de la artista Paola Balario. A los 17 años comienza la carrera de Profesora en Artes Visuales en la Universidad Nacional de arte (U.N.A) Termina sus estudios y sigue formándose en la Asociación Estímulo de Bellas Artes en clases de Modelo vivo a cargo del Artista Carlos Fels. Paralelamente asiste al taller del Artista Alejandro Boim para perfeccionarse en la pintura al óleo. Gana la beca de pintura y asistencia al taller del artista Nicolás Menza durante un año. Ejerce distintos cargos de Profesora en Artes Visuales en diferentes escuelas de la ciudad de Buenos Aries en nivel primario y medio. También dicta clases en su propio taller ubicado en la Capital Federal. Se muda a Madrid con la intensión de estudiar a los Grandes Maestros de la Pintura Española. Ingresa en el colectivo de Artes Visuales “Contacto” en el Centro Social Autogestionado de Tabacalera. Realiza su primera muestra individual en Madrid y se sigue formando con distintos Artistas Locales de la ciudad.

Collage de serie de pequeños formatos de la artista emergente

Abismo (Portafolio)

CONCEPTO GENERAL Abismo es un proyecto que remite al texto de Roland Barthes “Fragmentos de un discurso amoroso”. Las ideas que rondan éste texto abordan un retrato estructural del discurso sobre el amor entendido como inactual y, a la vez, intratable. Asimismo toma distintas figuras o personajes de la literatura, pero también conceptos que son parte de la filosofía, la psicología y la lingüística. Estas figuras engloban la declaración, el encuentro, las escenas de celos, el dolor, el corazón y el llanto, entre otras. Utiliza un método dramático para su representación escrita y entiende este procedimiento como una experiencia personal que fue recogiendo de diferentes lecturas, charlas, recuerdos. Existe aquí un concepto troncal que intenta unir todas las imágenes aquí reunidas y tiene que ver específicamente con el Abismo. Éste es definido por Barthes como “ataque de anonadamiento que se apodera del sujeto amoroso, por desesperación o plenitud”. Pero el Abismo en concreto, también es ese precipicio o lugar profundo en el que no puede verse el fondo.

INTERPRETACIÓN Cómo no es posible entrar en una suerte de generalidades totales, quise crear un sistema de símbolos que puedan remitir a cada uno de los capítulos y elegir una paleta en concreto para todo el proyecto. El recorrido que me interesa abarcar, al igual que Barthes, es un retrato personal acerca del discurso amoroso. Imaginar esas figuras en representaciones visuales acerca de las metáforas e ideas por las cuales he sido atravesada a lo largo de mi experiencia vital. ¿Qué otra cosa es la intención de expresar tus emociones en palabras si no un hueco oscuro y desconocido, un agujero negro ? Esa sensación bordea los límites del entendimiento, casi como quemándote los ojos.

Los personajes aquí configurados tienen especial atención en el cuerpo, en la expresión y, a su vez, son retazos de ese cuerpo que habla; sin estar completos, cada uno de ellos como una parte del todo. Todas las obras están hechas con una técnica mixta, una investigación propia con óleo y spray. Esta serie entiende el concepto del discurso amoroso desde una percepción actual, en el cual no hay una hegemonía heterosexual, si no que por el contrario se abre a entender todas las orientaciones sexuales. Una mirada Queer sobre sobre cómo decimos que nos sentimos cuando estamos enamorados. Se trata de entender el modo en el cual el lenguaje nos determina a la hora de expresar nuestros sentimientos. La intención de llevarlo adelante es una forma de comunicar cuánto nos afectan las tradiciones, los discursos amorosos entendidos en las grandes obras de la literatura y los mandatos sociales a los que estamos supeditados. Podría decirse que el proyecto no solo se limita a una revisión actual de cada uno de los capítulos de éste libro, si no qué, ahonda en la idea de comprender hasta donde somos conscientes todos los seres humanos de los parámetros discursivos que determinan nuestra forma de expresar el Amor.

TODES (Portafolio)

“Toca todo esto” me dijo Paca La Piraña cuando la conocí y puso mis manos sobre sus tetas y ahí quedé alucinada con todo su brillo. Me di el lujo de compartir con ella una tarde, tomarle fotografías para mi proyecto y fue uno de los momentos más hermosos que tuve en la vida. Su retrato representa una lucha en tiempos donde la categoría de mujer trans no existía y sin embargo la fuerza de su imagen mediática nos invita a reflexionar sobre cómo ha sido ser parte del colectivo LGBT viniendo de un pueblo donde todos la llamaban “maricón”.

 
Desde su cuadro, Paca nos mira a los ojos y nos señala. 
“I WANT YOU”, parece decir. 
                        Nos está reclutando.

Uxía, se define como persona no binaria, dedica el cuerpo y el alma a esa lucha por los derechos del colectivo LGTBIQ. “Necesitamos a nuestro lado a personas, que, aún viniendo de recorridos distintos o teniendo incluso privilegios de clase o de raza, usen precisamente esas circunstancias para visibilizar y dar voz a cuerpos disidentes”. De mirada y mensaje profundo, Uxía representa a esa juventud empecinada en transformar el pensamiento colectivo. “Vivir en diversidad es generar un espacio concreto donde puedan escucharse todas esas voces calladas por la historia y sus instituciones”. Y esa es la intención de este proyecto, que el arte sirva como plataforma para que empiecen a ser escuchados.

Ashton, bailarín, nacido en el Bronx, se define como hombre homosexual. Ha tenido que escapar de un entorno hostil para buscar un hogar donde pudiera, simplemente ser quien es. Su discurso es como su baile, elocuente: “Diversidad es entender que nuestras cualidades humanas son y serán por naturaleza, diferentes entre sí. Pertenecer al colectivo LGTBIQ es reivindicar esas diferencias y luchar por eliminar de raíz las violencias que sufrimos por no pertenecer al sistema heteronormativo”.

Ellandrophium es performer en la escena Queer madrileña. Cuando se caracteriza, su androgínia es la personificación de lo no binario. “Estar en el medio es una de las mayores formas de resistencia al sistema”. El poder intentar hacernos ver que lo “normal” es solamente aquello que está legitimado y aceptado por un grupo de personas que, no por casualidad, ostentan el capital más grande del planeta. Ellandrophium, como artista, representa la imagen invisibilizada, monstrándonos directamente lo nunca visto. Su retrato es el de la lucha militante, como el de todas esas personas a las que he pintado.

Exposiciones:

Exposición Colectiva “Feedback” American Poetry Museum 716 Monroe Street Ne, Whashinton DC 2020
Exposición Colectiva de Arte Textil CSA La tabacalera Embajadores 53, Madrid 2019
Exposición Colectiva Taller Con Tacto “Cuerpos Disidentes” CSA La tabacalera Embajadores 53, Madrid 2019
Exposición Colectiva Taller Con Tacto “Papyrus” CSA La tabacalera Embajadores 53, Madrid 2019
Exposición Colectiva Artistas de Tabacalera (PROYECTO T. A .P ) MAKIS COFFEE SHOP EMBAJADORES 34 MADRID 2019
Exposición Colectiva de Mujeres Artistas de Tabacalera CSA “La Tabacalera” Embajadores 53, Madrid 2018
Exposición Colectiva Colectivo de artistas “Contacto” CSA “La Tabacalera” Embajadores 53, Madrid 2018
Exposición de pintura “Todes, Retratos sobre la Diversidad” CSA “La Tabacalera” Embajadores 53, Madrid 2016
Exposición de pintura “Fuerzas Naturales” espacio de arte Imaginario Cultural Guardia Vieja 2500 Buenos Aires Capital Federal 2015
Exposición grupo de artistas jóvenes “Minga” con el proyecto de dibujo “Serendipia” en Galeria de arte Gabinete 2775 Buenos Aires
Capital Federal 2014 Exposición de dibujos y pinturas grupo de artistas emergentes M.I.M.O “Espacios” Comuna 13, Buenos Aires
Capital Federal 2013
Exposición de pintura grupo de artistas emergentes M.I.M.O “Rotación” Casa de arte Irala Buenos Aires , Capital Federal 2013
Exposición Multidisciplinaria estudiantes y docentes de la Cátedra Pagano perteneciente a la Universidad de Arte de Buenos Aires
(U.N.A) 2012 Exposición Artistas emergentes M.I.MO en espacio de arte “La casa del árbol” Buenos Aires, Capital Federal 2012
Exposición Artistas emergentes “Mandamiento” centro de arte “Casa Dasein” Buenos Aires, Capital Federal 2011
Exposición de Artistas emergentes “Mandamiento” centro de arte “El imaginario Cultural” Guardia Vieja 2500 Buenos Aires, Capital
Federal 2011

ABISMO "Cuerpo disidente y discurso amoroso"

La Gran Vía Cultural de Madrid se complace en presentar la exposición individual de pintura "ABISMO" de la artista Luz Fumaneri, organizada por Franquearte Vive el Arte y comisariada por Corina De Sousa. La muestra tendrá lugar del 22 de junio al 21 de septiembre de 2023 en la calle Gran Vía, 9, dentro del hotel Catalonia.

Con motivo de las celebraciones de Madrid Orgullo 2023, la inauguración se llevará a cabo el jueves 22 de junio a las 19:00h dentro del circuito de exposiciones del festival de Muestra T (la cultura del orgullo), y contará con la presencia de la autora y varios invitados especiales. Durante la exposición, los visitantes tendrán la oportunidad de recorrer dos de las series más poderosas de la artista: "Abismo" y "TODES". Ambas series abordan el tema de los cuerpos disidentes, la cultura queer y el discurso amoroso de diversos personajes portavoces de quienes no siempre son escuchados.

"Abismo" es una serie de pinturas que explora el discurso amoroso a través de figuras y conceptos literarios, filosóficos, psicológicos y lingüísticos. La artista utiliza una técnica mixta y una paleta de colores específica para representar las metáforas e ideas que ha experimentado en su vida. Esta serie adopta una perspectiva queer sobre el amor y busca cuestionar cómo el lenguaje influye en nuestra forma de expresarlo.

"TODES" es una serie de pinturas que destaca la lucha de la comunidad LGBTIQ+ a través de retratos de personas disidentes de género y sexualidad. Las obras representan el concepto de diversidad a través de la experiencia de personas reales, su historia y su búsqueda. La intención del proyecto es usar el arte como una plataforma para dar voz a aquellos cuyas voces no siempre son escuchadas.

Horario: Exposición abierta al público general en el horario de lunes a domingos de 10:30h a 22:30h | Dirección: La Gran Vía Cultural en c/ Gran Vía, 9 Madrid en la planta baja del hotel Catalonia | Línea de metro más cercano: Gran Vía, Sevilla y Banco de España ; buses 001, 1, 002, 2, 3, 46, 74, 146 | Para más información sobre actividades en La Gran Vía Cultural visite Franquearte.com/LaGranViaCultural | Para solicitar una visita guiada en el correo: franquearte@gmail.com

Invitación a visita guiada por la exposición de Luz Fumaneri en la gran via cultural de madrid

Luz Fumaneri es una artista emergente apoyada por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, comisariado, representación, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma. 
Toda la información proporcionada en esta pagina esta protegida por derechos de autor, si requiere cualquier otra información puede contactar directamente a través de nuestra sección de contacto o a través del correo franquearte@gmail.com o al +34 604 346 050. 

Kalyana

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Próxima Exposición en Madrid:

 

Kalyana

Nació en Palma de Mallorca, ha vivido en Canarias, Madrid, Wane Eikel (Alemania), Oss ( Holanda), Santa Fe de Bogotá (Colombia). Actualmente reside y trabaja desde hace 19 años en Granada España .

María Teresa Martínez de Medina que después de un viaje a la India a un Ashram de Osho , en la ciudad de Pune, se le ha concedido el nombre de «KALYANA» que significa «Luz Interior» la cual la plasma en su obra y la proyecta al observador por medio de su pintura ,  bajo  una paleta de azules cósmicos rojos y naranjas incandescentes y dorados sublimes.

En su obra se perciben figuras míticas galácticas con los que pretende transportarnos a un viaje dimensional a nuestros orígenes en el universo,  descubiendo de donde venimos realmente. Kalyana, siente y expresa que el arte trabaja con nuestra propia conciencia, con el material que están hechos los sueños.

Hay múltiples maneras de expresar algo de nosotros mismos y de nuestro mundo para reconectarnos  con nuestra verdadera fuente de vida y amor, desde otra dimensión, atravesar  el mundo desconocido y aproximarnos al misterio de la « Realidad Mágica» y desde allí poder llegar al cosmos, a ese espacio donde abarca todo lo que existe.

Dentro de la constelación  de tauro  se encuentran un conjunto de 7 estrellas llamadas «Pléyades» ,donde viven seres humanoides con alto nivel de conciencia y amor  «Los Pleyadianos» , ellos  dicen ser nuestros ancestros ,nuestros padres genéticos, están con nosotros, cuidándonos y observándonos desde tiempos remotos, para nuestro resurgimiento como seres de luz.  Su biología es como la nuestra, pero su desarrollo espiritual y tecnológico es mucho más avanzado que el de la Tierra.

Estos seres de luz se han ofrecido como nuestros  guías y maestros para nuestra evolución espiritual y Kalyana por medio de su obra pictórica  quiere expandir este mensaje de luz como símbolo de esperanza y amor.

EXPOSICIONES:

USA- New-York, Miami

ESPAÑA Madrid, Alicante, Orense, Valladolid, Málaga

BELGICA – Gante

ASIA- Hong-Kong

FRANCIA- Paris

HOLANDA- La Haya

COLOMBIA- Bogotá, Tunja, Medellín, Barranquilla

MUSEOS

Museo Queens de New-York.

Museo de la Real Academia de San Fernando de Madrid.

Museo Juan de Vargas Tunja , Colombia

Fundación Santillana de la Embajada Española en Bogotá.

Liceo Francés en Madrid.

Colegio Reyes Católicos en Bogotá Colombia

Ministerio de Asuntos exteriores Bogotá.

Palacio Abacial Jaén España

NEW-YORK

Participación en Arte Expo, feria internacional de arte contemporáneo exposición en Galería Jadite . Art Trading Center. 2023 Exposición en Arc Santa Galeria Madrid .. Spanish Art in New Yok Fractaliax.

MIAMI

Participación en Spectum, feria internacional en Miami. Exposición en Test Valery, y en Rocieri Gallery.

COLOMBIA

Represento a España en el XVI aniversario del festival internacional de la cultura en Tunja. Ministerio de Asuntos Exteriores en Bogotá. Museo Nacional Bogotá . Fundación Santillana patrocinada por la Embajada Española Bogotá .Galería Iver en Bogotá. Exposición en la Capilla de San Carlos (Cancillería ) Bogotá.

BELGICA

Participación en la Feria Internacional de arte en la Critica del .Gante

ASIA

Feria Internacional de Arte contemporáneo en Hong- Kong con la galería Art Cuestión

FRANCIA Feria de arte internacional en Paris con Marcor Gallery.

ESPAÑA Exposición en Circulo de Bellas Artes en Madrid. Sala de Cultura de la Caja de ahorros, Madrid Galería Biosca, Madrid. Participación en la feria internacional de la crítica del arte en Madrid. Galería Gaudí Madrid Palacio de exposiciones de la Casa de Campo Madrid. Exposición en Maes Madrid. Exposición en el Liceo Francés en Madrid. Formo parte de la representación española en el primer encuentro con Latino América en el Ateneo de Madrid. Exposición en el Círculo artístico del Ayuntamiento de Granada. Exposición en el Parador Nacional de Granada (recinto de la Alhambra )Galería Lecrin Marina del Este Granada. Palacio Abacial en Alcalá La Real Jaén Exposición en la Galería Velázquez en Valladolid. Galería Stephan de Alicante. Galería Art Cuestion en Orense.Galeria H.G Contemporáneo MADRID.   FAIN Artist  Feria de Arte Contemporáneo 2019.   Artistas del siglo XIX al XXI EN Santana Art Gallery MADRID.    Galeria Pascual de Cabo.Palma de Mallorca.  Santana Art Gallery  Invernart  MADRID  . 2020 APPA ART GALLERY en Madrid.  Franquearte Vive el Arte.  Galería Gaudí, Madrid.Galeria Art Questions Málaga. 2021 Galeria Pascual de Cabo en Palma de Mallorca. Madrid capital mundial del arte . 2022 Galeria Saphira Ventura New York Exposición Mini Art.en Santa Gallery. 2023 "La Naturaleza del Ser en el siglo XXI" La Gran Vía Cultural de Madrid de Franquearte Vive el Arte.

PORTUGAL: 2021 Galería feria de arte contemporáneo en Portugal

Taller de Pintura y Meditación con Kalyana.

La pintura, unida a la meditación saca a la luz aspectos que parecen ocultos sobre nosotros mismos, desbloquea emociones reprimidas, libera nuestra imaginación y capacidad creativa. Dejando al final una obra-imagen de nuestro inconsciente.

Impartido por Teresa Medina (Kalyana) quien es pintora y escultora con cuarenta años de experiencia en técnicas de relajación y meditación creativa para el crecimiento personal

En este dinámico taller nos invita a adentrarnos en el ser y a descubrir el arte de nuestro interior. *No requiere de conocimientos previos ni en pintura, ni en meditación. 

Dirigido a todas aquellas personas interesadas en su desarrollo personal. Nuestro objetivo es enseñar a los participantes en el curso a disfrutar de su creatividad y a interpretar las obras surgidas tras la práctica de suaves meditaciones guiadas que:

  • Liberan sentimiento y emociones facilitando la correcta circulación de la energía corporal.
  • Aumenta la autoestima al ayudarnos a conocernos mejor a nosotros mismos.
  • Potencian la creatividad
  • Nos enseñan a vivir el momento, evitando proyecciones hacia el pasado o futuro que generan ansiedad y no nos permiten ser lo que somos.
  • Nos ayuda a utilizar recursos internos que todos tenemos para descubrir nuestros problemas, enfrentarlos y estar en paz con nosotros mismos.

El taller esta dispuesto para grupos reducidos de máximo 6 personas. El costo del mismo es de 50€ por personas e incluye el material artístico.

No incluye la esterilla de yoga para meditación, ni comida. 

Requiere de previa inscripción* 

 

 

"Ofrecemos una terapia que nos permite aprender cómo funciona nuestro inconsciente y expresar lo que nos preocupa por medio de la creación artística."

Después de una meditación guiada las ondas beta de nuestros cerebro pasan a las ondas alfas y es allí, donde se eleva el espíritu, el tiempo se detiene y empiezas a pintar no lo que ven los ojos sino lo que siente el corazón, y desde ahí expresar con pintura lo que no se puede expresar con palabras.

11:00H Bienvenida: el taller inicia con una suave meditación guiada, seguida por una pequeña introducción de la autora sobre la pintura. 

Durante el resto de la mañana nos dedicaremos a familiarizarnos y descubrir  los materiales que tenemos a disposición, para dejar fluir las formas, el movimiento y el color libremente. 

14:00H Tendremos un break para la comida, donde proponemos hacer un compartir entre el grupo para continuar la experiencia.  

Volveremos a las 15:00H para una meditación más personal, desde la cual guiar nuestro interior al siguiente proceso creativo. Buscaremos guiar la pintura según el viaje de cada uno. 

Al finalizar nos reuniremos a ver cada obra para hacer un analisis individual y grupal y los cambios vividos en cada fase. 

Cartel oficial de la expo La Naturaleza del Ser en el siglo XXI

Todos los derechos reservados. Kalyana es una marca personal de la artista Teresa Medina. Representada por Franquearte Vive el Arte en su programa transfranquearte de gestión cultural.

KAI NANSHE

Kai Nanshe se ha formado en el Guildford College of Technology y el Marlborough College, Reino Unido, en la Universidad de Bayreuth, Alemania, y en la Universidad Politécnica de Madrid. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas y su obra figura en colecciones privadas en Alemania y España, donde reside actualmente.

Macrocosmos y microcosmos se dan cita en sus lienzos a través de fragmentos de color superpuestos con intricadas formas orgánicas que invitan a viajar hacia el interior de uno mismo.

Su obra comienza con una tormenta de colores que se va construyendo a través de capas superpuestas con medios mixtos, que van revelando una interacción de luz, textura y color.

El resultado de estas experimentaciones es una armonía cromática con una fuerte presencia física que cambia constantemente con la perspectiva del espectador y las condiciones de iluminación.

Daniel Barroso

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Daniel Barroso

 

 

 

 

 

Daniel (1959) es un artista argentino-suizo.

Comenzó su formación artística en el atelier de pintura de su padre en Mendoza, Argentina, y tras su paso por Córdoba (Argentina) donde comenzó a estudiar filosofía se traslada a Europa, primero a Roma (8 meses) y luego a vive 6 años en París donde terminó sus estudios de filosofía y escribió una tesis sobre El Bosco. Después de haber vivido y trabajado en muchos países, especialmente en América Latina y Europa se afinca en Madrid donde vive desde hace 5 años

Sus trabajos han sido pexpuestos en varios países Argentina (Mendoza), Chile (Santiago) Francia (Paris), Suiza (Lucerna, Krienz, Lenzburg, Zurich), Italia (Turin) y España (Madrid). Más de 200 obras suyas se encuentran en colecciones privadas a ambos lados del Atlántico.

Actualmente es galerista y mecenas de Appa Art Gallery en Madrid.

En los 3 últimos años ha realizado las siguientes exposiciones:

Exposición individual “ Color interior”  Julio 2016 en APPA art gallery 

Exposición individual noviembre 2016 en APPA art gallery

Exposición individual “Lejos de las reglas, cerca del color” en Julio en 2017 en APPA art gallery

Exposición colectiva “Trilogía de relatos pictóricos” Abril- Mayo 2018 APPA art gallery

Participación en Feria Faim Art 16 édición de Madrid (junio 2018).

Feria Art Zurich - 20-23 de septiembre de 2018 en Zurich - Suiza

Exposición Individual: Ensueños dorados - “4 de enero al 23 de marzo de 2019 en APPA art gallery

Exposición individual en el MIIT (Museo de Arte Moderno y Contemporáneo en Turín, Italia) del 9 de mayo al 22 de junio de 2019

Exposición colectiva “Miradas, Ritmo,  Luz” 3 de octubre al 2 de noviembre de 2019.

Exposición individual en Hotel Catalonia, Madrid organizada por Franquearte.

Próximamente: exposición colectiva en Roma organizada por el MIIT a finales de octubre 2029 y exposición colectiva de 2 artistas en Editorial El Garaje, Villaverde Alto (Madrid)

Fotos de la serie en el Espacio

Inauguración

Daniel Barroso es un artista emergente apoyado por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, comisariado, representación, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma. 

Toda la información proporcionada en esta página está protegida por derechos de autor, si requiere cualquier otra información puede contactar directamente a través de nuestra sección de contacto o a través del correo franquearte@gmail.com o al +34 604 346 050.

 

Franqueando Resistencia Cromática

Polifranquearte: Programa de Investigación

  Después de conocer el discurso propuesto por el comisario de la exposición Andrea Perissinotto, hoy nos proponemos a conocer a los protagonistas y las obras detrás de esta propuesta de energía del color.  Previamente al finissage el próximo sábado 14 de septiembre. 

Alejandro Muñiz

Se podría pensar que el título de tu obra Endogamia, son los matices de una misma especie... ¿Es una endogamia policromática?

Si, son los matices de una misma especie que comparten color y gesto o trazo gráfico. Es una endogamia Policromática.

¿Qué te inspiró para crear Endogamia?

Más que una inspiración fue una pulsión visual interior basada en mi "infinita fe" en la confrontación, combinación y versatilidad del color con el dibujo y una fijación técnica con el formato cuadrado.

¿Cuál es tu grito/tu discurso en resistencia cromática?

Que no pare el color.

 

 

Eva Zaragozá

¿Cuál es tu grito/tu discurso en resistencia cromática?

La obra que expongo. Arte e imaginación con alegría y atención.

Si el color grita, se muestra histérico en tus obras... ¿Qué tipo de estímulo llenó de histeria los colores de tus obras, que buscas decirles a los espectadores ante ella?

Lo de histérico viene porque, al finalizar las prácticas artísticas que guío en mi estudio Fosforita Madrid, trato de aprovechar los restos de pintura que han sobrado sobre los diferentes soportes que estoy trabajando a la vez. Esta urgencia nada tiene que ver con el tiempo del proceso de cada obra, sino con la presión de encajar algo no previsto en una pintura, sin premeditación y ante otras personas. Luego, continuo, o no, en cada uno de ellos y este tiempo, puede durar más de un año. Los Estudios histéricos de color son como ejercicios donde encuentro fórmulas, experimento con lo que creo que sé, descubro un lenguaje que me produce mucha satisfacción.
En cuanto al efecto que quiero provocar, pretendo la excitación, como me excita a mí la pintura. Quiero que se enreden, que se pregunten por qué. Mis cuadros son un detonante para que el propio  espectador construya su discurso o que simplemente los sienta, como se siente la ciudad cuando se da un paseo por ella.

Pintura o Performance ¿Qué es primero para el ser artístico de Eva?

Me hacer gracia lo de ser artístico, casi me siento más cómoda imaginándome como estar artístico, es decir, que tomo yo la decisión, que no soy sino que estoy así porque quiero. En mi día a día tomo decisiones desde esta posición de artista, desde que decido levantarme hasta cuando decido la hora de irme a la cama y sobre todo la forma en cómo hago las cosas, esta forma de hacer es mi yo artista. No hay forma para definir qué es más importante, cada día es una cosa distinta. Por lo tanto, en cuanto a qué faceta va primero pues es todo a la vez, vida y arte están mezclados, no hay jerarquías, no hay división, todo está unido, incluso se podría incluir pintura, performance, educación, ir a la compra y tomar un café con un amigo. Me gusta mucho hablar de juego también, de asimilar arte a juego. Yo vivo porque juego.

Greta Hammond

La presencia de 2 ambientes vibrante de emociones como son un patio con pájaro y un herbolario con un costurero, transportan a cualquiera a vivencias del hogar lleno de colores, aromas y recuerdos... ¿esa policromía de herbolario de manera tríptica tiene algún recuerdo o vivencia personal plasmado en él?

Pienso mi taller como un jardín, un espacio lleno de objetos que forman parte de mi vida. Suelo coleccionar estos fragmentos y a veces los utilizo como modelos para mis pinturas.

En el caso de herbolario y costurero existe una fusión rara entre estas dos cosas: por un lado se muestra el florecimiento de una planta y por otro, botones, agujas, formas abstractas que quedaron en un costurero sin uso y que guardo con cariño.

Me maravilla pensar la vida en relación a estos signos materiales que están cargados de recuerdos, memoria y una visita constante al pasado.

En Pájaros en invierno también hay una fusión contrastante entre la calidez interior del taller y el frío invernal del afuera; las aves serían esos mediadores entre estos dos ambientes, aquellos que dan vida al espacio, aparecen de pronto y golpean la ventana. Con esta pintura quiero guardar como en una fotografía esos instantes, creyendo en la fragilidad del tiempo y la solidez de los espacios.

 ¿Qué sensación percibiste cuando estabas creando la de pájaro en invierno?

Pinté esta serie desde mi estudio en la Patagonia Argentina. Aquí el invierno esta lleno de matices, detalles, sensaciones, colores neutros adornando el paisaje, luces cálidas sobre la montaña al final del día...

Cuando nieva queda en el aire un silencio infinito; se escuchan voces de niños jugando en el patio de al lado del taller y pájaros. Pájaros que vienen cada año desde lugares diversos, cruzan la cordillera y llegan hasta mi ventana. La obra contrasta con este paisaje porque la paleta que utilicé es muy vibrante; esto habla de una pulsión vital en la pintura, de la necesidad de dejar el rastro de algún instante que el ojo capta, lo traslada al lienzo y vuela mas allá de las estaciones y las geografías.

¿Cuál es tu grito/tu discurso en resistencia cromática?

Uno de los puntos más fuertes de Resistencia Cromática es la formación de un colectivo que comparte una tarea dedicada y pasional sobre el uso del color. Mi aporte llega desde el sur del mundo y se une a esta resistencia para generar diálogos abiertos, contrastar materiales y metodologías de prácticas artísticas, reivindicar el valor de la pintura en la escena actual y unirnos en ansias de libertad. Coincidimos en proyectar un arte que para cada uno de nosotros resulta inseparable de nuestras vidas.

 

 

Luis Sanz

Captar una onda sonora y plasmarla en un lienzo a full color representa una sensación fuera de serie. ¿Qué sonidos podríamos interpretar en tus obras?

Imposible no poder reproducir las palabras del escritor Javier Puebla para esta pregunta:

“Doy varias vueltas entre los cuadros, mirando, mirando y escuchando. Porque aquello suena, y suena muy bien: a alegría de vivir. Sí, eso es a lo que suena la obra de Luis Sanz: a alegría de vivir; el mejor dj pintor que nunca he visto.“

Personalmente mis sonidos son.. onomatopeyas, exclamaciones , sonidos bellos y frecuencias sensuales. Delicadas líneas que transmiten tranquilidad y sosiego a la vez que a furia desatada y ganas de comerse el mundo.

¿Existe alguna clave musical que te inspiró la manifestación de colores para representar tus obras?

Todas las frecuencias y sonidos expuestas no dejan de ser una transcripción gráfica y de color de mis propias vivencias.. un cuaderno de bitácora gráfico de mis vivencias y emociones fuertes.

Tanto por color como por forma. Mi vida es música y no la concibo si ella.

Al igual que a Jean Paul Gaultier el color rosa nos hace sonreír, por ese motivo nunca falta el color rosa en mi obra. Es un regalo extra que nos ofrece el maravilloso poder del color.

¿Cuál es tu grito/tu discurso en resistencia cromática?

Mi grito claramente es..  que La vida es Color y Sonido!!!

Creemos.. Pintemos, Dibujemos y Manchémonos de colores para que todo tenga sentido. Todos y todo somos vibración, color y música. ¡Todo lo demás  sobra!

María Hi San

 Tus característicos  retratos reflejan la sensación de dolor silente,  parece que lloran, pero en resistencia cromática vemos un contraste hacia la naturaleza, lo orgánico del color; ¿Podría ser un paso a la armonía, a la curación de ese dolor?

Efectivamente hay un cambio. Cuando empecé con los retratos de mujeres trataba de capturar la sombra y lo inconsciente, lo que no se aprecia a simple vista al mirar a una persona, trataba de ver los miedos, tristezas y rabia; ese cajón de sastre que cada uno lleva dentro y prefiere nos mostrar, claro que era una interpretación de lo que a mi me transmitía.

En Resistencia Cromática, esta obra que comencé hace un año, fue en busca de la armonía, como bien expones en tu pregunta, en busca de la paz interior y el zen. Indagando e inspirándome al principio en la vida submarina, los bambúes, en haikus y Osho.

Los anteriores proyectos tenían mucho peso y relación con el dolor, partían de ahí (para su transformación), en este caso, es justo lo contrario; parte de la vida y si lo considero un paso hacia la curación.  Aunque en la vida surjan nuevas heridas, también hay curaciones continuas, que forman parte de la vida.

¿Qué mensaje hay detrás de tus obras?

Pues para mi, es una reconciliación con la belleza, busco el equilibrio de color y formas simples, en el color encuentro la vida y tranquilidad. Incluso en el proceso hay otro tempo, hay una lentitud en la construcción  y un acercamiento hacia lo sutil.

¿Cuál es tu grito/tu discurso en resistencia cromática?

Es una llamada hacia el respeto, la calma; queriendo llegar al contento, el placer y la satisfacción , resumiendo el significado que encierra la belleza, ese encantamiento sensorial, intelectual o espiritual. Viveza y liviandad.

Miguel Unamuno Vera

El prisma cuántico de tu obra nos teletransporta a una senciación futurista en cuanto adelantarnos a la época. ¿Existe alguna idea o ansia de futuro en tus obras?

No diría que mi propósito sea representar el futuro. Tal vez sí la búsqueda de algo nuevo que va más allá de lo ya existente, pero mi objetivo es sobre todo representar el presente. Aunque puede ser que de alguna manera todos busquemos una especie de inmortalidad y permanencia en el futuro, pero supongo que esa es otra cuestión.

A lo largo de la historia en cada época o lugar el arte ha sido un reflejo de la evolución de los procesos sociales y culturales que a su vez han originado la creación de sucesivas corrientes artísticas y formas de representar la realidad de cada momento, gracias también al consecuente desarrollo e innovación de nuevos materiales y técnicas artísticas. 

La figura humana y el rostro han sido siempre, desde los orígenes de la humanidad, los símbolos que han servido para escenificar las creencias, expresar la visión del ser y construir el universo de lo sobrenatural o lo cotidiano, para dejar constancia, intercambiar, transmitir sucesos y apreciaciones de su quehacer y modo de vida. De aquí viene mi interés por simbolizar a través de estas cabezas cuánticas la sociedad actual, y quizá sí como un referente y proyección para el futuro.

¿Qué hizo que representaras lo cuántico en esa presencia tan prismática de tus obras?

Es el resultado de la situación en la que observo que se encuentra la sociedad actual de la información y la tecnología en la que los estados y las grandes corporaciones se dedican a hacer acopio de datos privados de todos los ciudadanos. Hemos llegado a un punto en el que toda esta colosal e ingente acumulación de datos solo produce una descomunal redundancia de información difícil de analizar, una maraña de ruido que acaba difuminando las ideas, confundiendo los mensajes y tergiversando la realidad, convirtiendo a las personas en meros algoritmos matemáticos, y que aplicado a las teorías físicas actuales, se acabaría convirtiendo en un caos de ondas o curvas cuánticas, generando una multitud de formas amorfas y confusas. 

En la serie Cabezas cuánticas represento mediante estas hipotéticas ondas cuánticas un personaje actual, anónimo, indefinido, impreciso, conformado por un cúmulo de seres semejantes pero diferentes, originando una figura borrosa, desdibujada y sin rasgos que la identifiquen, anulando así la individualidad e identidad personal. 

¿Cuál es tu grito/tu discurso en resistencia cromática?

El trabajo artístico habitualmente es muy solitario, por lo que realizar una exposición conjunta con un grupo de artistas, a los que además nos une una larga amistad, es una oportunidad excelente para poder expresar mediante el estilo personal de cada uno las inquietudes que nos vinculan. Preparando esta exposición he experimentado sobre todo un sentimiento común, que ha sido la necesidad de proferir nuestro grito de color y manifestar la poderosa vitalidad de la pintura.

Diana Nieto

Creando Sentido

DIANA NIETO BLÁZQUEZ

Valladolid 9 de Junio de 1972

 Artista autodidacta, viene desarrollando su obra desde 2009, cuando comienza a experimentar con la pintura en tela, trabajando durante un corto periodo en un estudio de diseño textil y formándose en distintas técnicas de pintura en tela. Posteriormente realiza acercamientos a la arteterapia, al entender el arte como herramienta para el autoconocimiento y la conexión entre el mundo interior y el exterior.

En 2017 realiza formación básica en  bodypainting (bellypainting) y acuarela, técnica que  le lleva a trabajar con la tinta china, elemento  que actualmente  constituye  la base de su obra.

Formada como bióloga y con estudios en ciencia tecnología de los alimentos, a pesar de su formación científica, el ambiente familiar en el que crece, propicia el permanente y cercano contacto con el mundo de la creatividad, el arte y la artesanía, convirtiéndose esta en los inicios, en el elemento a partir del  cual  compartir su necesidad de investigar y crear. En este punto participa en varios proyectos para la dinamización y divulgación de la artesanía, de la mano de la asociación ENTRE MIS MANOS de la que es cofundadora.

Actualmente su obra se desarrolla en el marco de un  proyecto personal, nacido hace siete años, llamado CREANDO SENTIDO, donde  la expresión artística se convierte en el hilo conductor del  autoconocimiento y la necesidad de expresión de los descubrimientos del mundo interior. Así CREANDO SENTIDO se inicia desde una vertiente espiritual, donde el medio hacia el mundo material es la experimentación a través de las artes plásticas,  fusionando técnicas y materiales muy diversos, que van desde el vidrio, la tela, el papel, el cobre, o cualquier  elemento de la naturaleza.

 

Artist Statement

Mi obra como la de cualquier artista, refleja la necesidad de expresar, en este caso,  que  formamos parte de la naturaleza, siendo todos  uno sólo, dentro de nuestra singularidad y  que la libertad llega a través del autoconocimiento y de expresarse desde la verdad para conseguir la coherencia vital y la paz interior.

Del concepto paz, entendiéndose como sosiego, es desde donde intento siempre crear y transmitir, para que el observador pueda respirar y sentirse bien  al mirar mi obra. Por ese motivo utilizo  la acuarela y la tinta china un  medio  que entiendo, crear una sensación etérea que ayude a la calma.

Autodidacta en el terreno artístico, el arte se ha convertido para mí, en el punto de convergencia de mis  inquietudes, el conocimiento  y amor por la naturaleza, la curiosidad por el mundo mental, el descubrimiento del mundo espiritual y mi necesidad casi compulsiva de crear, de cambiar y de experimentar. Todo ello, en mi caso, confluye en la expresión artística como medio a través del cual crear sentido en la vida.

 

La artista ha decidido mantener una relación ética con cada obra que realiza y su compromiso con el público espectador que recibe una pieza única e inigualable cada vez...

Enlaces de Interés sobre la Autora:

Pagina web de la Autora

Expo por el día de la mujer en el MUMUAR (Marzo 2019)

Creando Sentido en Art & Breakfast 5

Diana Nieto y sus piezas de Creando Sentido, se unieron a la donación de obras para "exploradores del arte", una yincana de arte para chicos de entre 5 a 12 años, donde al final de su recorrido encontraban "el gran salón del tesoro" (una galería organizada por franquearte) donde encontraban obras de diversos estilos, técnicas y autores que podían adquirir con los puntos conseguidos durante las diferentes dinámicas que tuvieron que superar durante el recorrido de la feria con el equipo de mediadores de la 14 edición de Expertos en Gestión Cultural de Factoría de Arte y Desarrollo.

  Logrando así fomentar la educación en el arte, el coleccionismo y el valor del arte desde  la infancia. Al mismo tiempo que se logro visibilizar el trabajo de más diversos autores emergentes...