SHOWROOM DE ARTISTAS · Un formato expositivo que conecta obra, artista y público durante la semana del arte en Madrid.

En el contexto de la semana del arte en Madrid, Franquearte Vive el Arte presenta Showroom de Artistas · Franquearte, una exposición colectiva concebida como un espacio para conocer a los artistas más allá de la obra expuesta.

La muestra reúne a trece artistas visuales vinculados a los programas de acompañamiento y formación de Franquearte, todos con trayectoria previa y portafolio desarrollado. El criterio no responde a una selección temática, sino a una intención clara: trabajar con artistas que ya se encuentran en un momento de consolidación y que pueden explicar su práctica con claridad y responsabilidad profesional.

Cada participante presenta una única pieza, elegida deliberadamente como una declaración de su trabajo actual. No se trata de mostrar una serie completa ni un proceso abierto, sino de asumir una decisión: qué obra representa mejor su investigación artística hoy.

El formato de showroom permite una lectura directa y accesible. La obra actúa como punto de entrada y, a través de códigos QR, el visitante puede acceder al portafolio completo del artista, conocer otras piezas y comprender su trayectoria. La exposición propone así una experiencia distinta: no solo mirar, sino entender quién está detrás de la obra.

El proyecto funciona como un puente entre público y artista, facilitando el contacto directo sin intermediarios y sin comisiones en la adquisición de obra. La intención no es competir con las ferias de arte, sino complementarlas: si en las ferias ocurre el primer encuentro, el showroom ofrece el tiempo necesario para la conversación.

Carlos H. Sacristán

"La orientación pictórica de Carlos H. Sacristán ofrece una versión renovada del simbolismo, una suerte de neo-simbolismo. Cuenta aquí ante todo la subjetividad y la idea. Importa lo visto de alguna forma por el ojo interior: el ojo que transforma en arquetipo aquello que ofrece el mundo sensible.

El simbolismo no se libera, sin embargo, por ello de lo sensible, porque el símbolo está hecho para el ojo, sea este exterior o interior. Las transformaciones sobre lo sensible pueden adquirir dimensiones oníricas, pero sin dejar del todo que los sueños o las ensoñaciones suplanten o desconecten de lo real, como nos llega a proponer el surrealismo.

La actividad pictórica modifica, en mayor o menor medida, el objeto idealizado que preside la composición con un amplio margen de sorpresa para el propio pintor. Solo en este sentido la pintura puede entenderse como una práctica de descubrimiento o desvelamiento. El simbolismo tiene su punto culminante en la denominación de la obra.

La denominación es un componente verbal asociado de manera sustancial a la imagen.

No debe clausurar la imaginación del receptor, ni describir, ni explicar, sino solo sugerir un espacio interpretativo tan abierto como la propia composición."

Carla de Vicente

"Mi práctica artística se desarrolla a partir de una investigación sostenida en torno a los elementos de la naturaleza como espacios de experiencia, transformación y conocimiento. Trabajo desde la abstracción utilizando técnicas mixtas sobre papel Yupo, incorporando materiales orgánicos y pigmentos naturales que aportan memoria, textura y presencia física a la obra.

A lo largo de mi trayectoria he trabajado los elementos mar, tierra, aire y fuego como ciclos independientes y, al mismo tiempo, interconectados. Cada uno de ellos ha marcado una etapa distinta de mi proceso creativo, no solo a nivel formal, sino también vital. Me interesa entender la pintura como un territorio de tránsito, donde la materia actúa y el control se diluye, permitiendo que el error, el desgaste y la huella formen parte del resultado final.

En mis trabajos más recientes, el fuego se convierte en agente real dentro del proceso pictórico, introduciendo la quema y la transformación física de los materiales como parte esencial del discurso. Este enfoque ha abierto una nueva etapa de cuestionamiento y aprendizaje, ampliando mi investigación hacia una práctica más consciente, estructural y abierta al cambio.

Concibo cada obra como un punto de acceso a un recorrido más amplio, donde la pintura funciona como espacio de exploración, pausa y reencuentro con lo esencial."

Belén Sevilla

"No hay arte sin emoción. Pinto para dar forma a lo que siento y para comprender lo que vivo. La pintura es para mí un espacio de escucha y de calma, un lugar donde las emociones encuentran color y la memoria se convierte en materia. Trabajo desde la intuición, dejando que la materia y el color marquen el ritmo y que cada capa encuentre su lugar.

Utilizo acrílico, óleo, acuarelas y texturas minerales porque me permiten construir capas que funcionan como huellas: rastros de momentos, personas y vínculos que siguen acompañándome. Me interesa cómo la materia puede transmitir sensaciones profundas y conectar con quien mira desde un lugar íntimo.

Nutro mi paleta de color, de vida, de literatura, de música. De experiencias personales y de historias que simbolizan fuerza, fragilidad, transformación. A través de ellas reflexiono sobre los espacios que vivimos y sobre las emociones que nos sostienen. Cada obra es una invitación a detenerse, a mirar con atención y a encontrar en cada capa emociones y reflejos de lo vivido."

Belén Espartosa

"Pintar empezó a aparecer en mis sueños, veía líneas, colores. Desde ese momento empecé un camino de aprendizaje e investigación continuo. Cambió mi vida y mi forma de percibir la realidad.

Pinto cuando observo el mundo, los paisajes, las luces y sombras, las personas……..cuando vivo de forma intensa y me emociono. Vivir y pintar son uno.

Mi trabajo se basa en la experimentación tanto de materiales, como de diversas formas, después dejo que la realidad que me traspasa encuentre el camino en mi obra. El abstracto me permite libertad total. Es un vaciarte de forma inconsciente fluyendo sobre lo que estás creando. La intuición toma el mando del proceso.

Por eso cada proyecto es distinto y único, porque refleja un momento diferente de mi vida.

En estos años me he dado cuenta de que, él que, de verdad termina la obra es el espectador, incluso de forma literal cuando en ocasiones coloca la obra de una forma que yo no había pensado y me sorprendo al ver que incluso funciona mejor."

La nueva exposición "Lunas y Tierras Heridas: la deshumanización del paisaje y el exceso humano" 

El paisaje, tradicionalmente concebido como reflejo del alma humana, se muestra hoy agotado, transformado por las huellas de un consumo que no se detiene. En Lunas y tierras heridas: la deshumanización del paisaje y el exceso humano, la artista Isabel Guillermo invita a contemplar ese territorio dañado desde una mirada poética y crítica. La muestra podrá visitarse en La Gran Vía Cultural, espacio expositivo del Hotel Catalonia Gran Vía, del 28 de octubre al 30 de noviembre de 2025.

Bajo la curaduría de Corina De Sousa, la exposición propone un recorrido visual por un paisaje que ya no es idílico, sino testimonio de una civilización que ha dejado su huella brillante y devastadora. A través de técnicas mixtas y una experimentación constante con lo matérico y lo simbólico, Isabel convierte los restos del consumo en materia pictórica. Objetos desechados, fragmentos de vida cotidiana y geometrías vibrantes se funden en composiciones que reflejan tanto la fragilidad del entorno como la persistencia humana.

Su obra se sitúa entre lo bello y lo incómodo, entre la ruina y la resistencia. Cada lienzo se convierte en una cápsula del presente: memoria del desecho, arqueología contemporánea y testimonio de una naturaleza herida que, sin embargo, no se rinde. En el contexto urbano de Madrid, donde el asfalto reemplaza al horizonte, la propuesta de la artista actúa como un espejo que nos invita a reconocer nuestra responsabilidad en el deterioro del paisaje.

La exposición, organizada por Franquearte Vive el Arte, forma parte del compromiso de la plataforma con la difusión de artistas contemporáneos y la reflexión sobre los desafíos culturales y medioambientales de nuestro tiempo.

El público está invitado al encuentro con la artista el jueves 30 de octubre a las 19:00 h en el lounge del Nnueve, un espacio de diálogo abierto en torno a la creación y el pensamiento visual.

Isabel Guillermo es una artista visual y docente con una sólida trayectoria en el ámbito de las artes plásticas y la educación artística. Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos de Valencia y Doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, ha combinado su labor creativa con la enseñanza desde hace más de tres décadas. Actualmente, ejerce como profesora de Artes y Dibujo Técnico en Secundaria y Bachillerato en San Sebastián de los Reyes (Madrid).

Su recorrido artístico se ha nutrido de una intensa experiencia internacional. Durante su estancia en Santiago de Chile, desarrolló parte de su tesis doctoral y ejerció como profesora de Diseño Tridimensional en el Instituto Universitario de Providencia, además de ocupar la jefatura de estudios en el Colegio “Compañía de María”. Posteriormente residió en Buenos Aires, donde se formó en el taller de grabado de la reconocida artista Cristina Santander y colaboró en el equipo de estudio de dibujo del natural junto al escultor Rodolfo Cano.

Cofundadora del Grupo de Artes Plásticas ALMAGRA y galardonada con el Premio Murcia Joven 1991 en la modalidad de Artes Plásticas, Isabel ha desarrollado una obra profundamente comprometida con la exploración del paisaje y la materia. Su pintura combina rigor técnico, experimentación formal y una mirada crítica hacia la relación entre el ser humano y su entorno.