CyC

  Tiempo es un espectáculo único, original y creativo en el que se representan algunos de los palos más importantes del flamenco a través del transcurso de la propia vida. El espectáculo gira en torno al transcurso del tiempo estableciendo una relación entre las distintas etapas de la vida del ser humano y las distintas disciplinas del flamenco.

  La infancia es juego, diversión, ilusión…. bulerías; la adolescencia es, posiblemente, el momento más intenso de nuestras vidas, fiestas, amor, desengaños…..tangos; el adulto es sobriedad, seriedad, elegancia… una farruca, la vejez es una etapa de sabiduría donde la experiencia tiene mucho peso……una soleá y por último la muerte, el final de nuestras vidas que afrontamos con tristeza, desamparo, oscuridad….la seguiriya.

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  Carlos y Christian no han conocido una vida sin baile, es por eso que comparan cada una de estas etapas con un palo del flamenco. Acostumbrados a expresar sus emociones a través de la danza, los autores quieren transmitir al público sus propios sentimientos y han intentado crear un espectáculo lleno de sensaciones y emociones. La vida es baile y hay un baile para cada momento de la vida…

Sobre Christian y Carlos

Carlos Ruiz Morales

Nacido en Madrid, el 7 de septiembre de 2003, a su corta edad, Carlos es bailarín, bailaor y profesor de danza. Comienza su formación con solo siete años en el Real Conservatorio de Danza Mariemma de Madrid, actualmente cursa 6º de Danza Española en el Conservatorio de Danza Carmen Amaya.
Ha participado en diversos espectáculos privados con artistas como Manuel Lorenzo, Estefanía Palacios, Carmen Cortés etc. Además ha colaborado, como artista invitado en numerosos eventos y salas como el tablao “El Cortijo” y colaboraciones en eventos municipales, formando parte del programa artístico y cultural de Ayuntamientos como el de Ciempozuelos, San Agustín del Guadalix, El Molar, Pedrezuela y San Martín de la Vega.

Christian Casariego Moreno

Nacido en Madrid, el 24 de septiembre de 2004. Es bailarín y bailaor de danza española y Flamenco. Inició su carrera con Emilio Serrano. A los 7 años comienza su formación profesional de danza en el Conservatorio Carmen Amaya donde actualmente cursa 6º de Danza Española.
Ha participado en numerosos eventos y espectáculos con artistas como Manuel Lorenzo, Estefanía Palacios, Carlos Losada etc. Ha colaborado con la compañía de teatro Mediterráneo y en espacios culturales y tablaos como “El Cortijo”, Madreams Music, así como en los Ayuntamiento de San Agustín del Guadalix, San Martín de la Vega, Ciempozuelos y Valdemoro.

Noticias

CyC es una compañía de danza apoyada por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma.

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Alejandro del Estal

Cierra de exposición con presentación especial de KLAUS!! en La Gran Vía Cultural de Madrid el próximo sábado 17 de junio de 20:00h a 22:00h 

* Visita la exposición de lunes a domingos de 10:30h a 22:30h - Encuentro con el autor: miércoles 22/03/2023 a las 19:00h *

Alejandro del Estal

Formación Reglada: Sociólogo | Formación Pasional: Fotógrafo

Alejandro prefiere presentarse a través de la opinión de los otros, así que entrevistamos a algunos conocidos y esto es lo que sabemos de él: 

Transparente, próximo, rápido, callejero, Alejandro abre los ojos más aún que el diafragma de sus objetivos ultraluminosos. Si le observas trabajar, verás que sabe despejar todas las variables y centrarse en los detalles que suman. Es la forma en la que construye sus imágenes: acercándose a las expresiones naturales e intensas. Sin artificios. Y es que no todo el mundo puede permitirse la suprema soberbia de la humildad. Becerril&Vergara (Fotografía creativa)

Alejandro tiene una gran capacidad para captar con rapidez la historia que hay detrás de cada proyecto. Un especialista en obtener grandes resultados en ubicaciones inverosímiles y transmitir con sus fotografías después de improvisar. El equilibrio perfecto entre el talento y la intuición. Gustavo Redondo (Músico y compositor)

Alejandro consigue, con su frescura y entendimiento con el sujeto una evolución a partir de la calidad hacia un retrato real, vivo y bello; como la vida misma. Es un orgullo tenerle como colaborador en Duckout! Magazine donde ha realizado grandes reportajes. Si tuviera que expresar su fotografía con una frase le vendría al pelo la del fotógrafo Henry Cartier-Bresson: «No me interesa la fotografía si no la vida». Sergio Mas (Director creativo de Dockout! Magazine)

Expusimos recientemente fotografías de Alejandro del Estal en dos sesiones diferentes: Let’s Dance Club, junto a varios ilustradores y pintores. Y en Indie Disco, donde sus fotografías convivieron con la música en el club durante semanas. La música y la fotografía se retroalimentan. La constancia e ilusión de Alejandro son parte de la escena de la música de Madrid. Miguel López Mora (Músico, compositor y programador de «Let’s Dance Club» e «Indie Disco Club»)

Alejandro del Estal es un fotógrafo de vidas, sabe que lo suyo son los retratos, es lo que más le interesa, lo que más le mueve. Y esta revelación viene porque Alejandro es una persona sociable, cercana, que busca del encuentro, y que además consigue acercarse a los personajes, conectar con ellos y captar su esencia, sus emociones, su saber estar, sus maneras y sus gestos. En ese diálogo Alejandro es un maestro. Nosotros encantados de que nos descubra las mil capas de los humanos y los diferentes tipos de personas y caracteres. Y así, poder participar de su mirada. Andrés Castaño (Periodista cultural)

Dispara fotos y desnuda el corazón. «People, quiero people», decía aquel profesor. Alejandro del Estal es de esos, de los que antepone una mirada al paisaje más imponente. Como si pensara que el milagro de la Naturaleza está muy bien, pero la geografía humana, efímera como un chasquido, lo irrepetible que se irá, es la única casualidad que merece la pena ser contada. Pacho Rodríguez (Periodista y músico)

Un instante es un momento cristalizado de una historia que solo podemos intuir. La capacidad de captar ese instante que transmita una emoción, que sintetice una historia real o imaginaria y que nos provoque la sensación de ser observadores cómplices de lo que sucede está al alcance de muy pocos fotógrafos. Entre ellos sin duda se encuentra Alejandro del Estal. Espero que disfrutéis de sus fotos tanto como yo. Alfonso Menasalvas (Responsable del FotomatónBar)

MALASAÑA PIVOT es un proyecto que nace por casualidad. Después de varios años haciendo fotos en diferentes calles de Malasaña, me di cuenta que los retratados se involucran más si les cuentas una idea que lleva tiempo rodando y les dejas libertad creativa. Les explicas que el punto de apoyo de la historia es siempre el mismo: un pivote fijo, ubicado en el número 2 de la calle Corredera Alta de San Pablo, y que son libres para representar o hacer lo que quieran.

 

Os invito a ver una pequeña muestra de cómo “crecen” todas las personas con estos dos sencillos ingredientes...

 

©® ALEJANDRO DEL ESTAL

CV

PRENSA:

EL PAÍS, ABC, DIARIO DE LEON, LA VOZ DE ASTURIAS, MONDO SONORO, CTRL PUBLICIDAD, DUCKOUT MAGAZINE, PCFOTO…

 

PROMOTORAS Y BLOGS:

RIFF PRODUCCIONES, LA TRINCHERA, INTROMUSICA, INDIESTAR, SUBTERFUGE RECORDS, RELABEL COMUNICACIÓN, NO TE DETENGAS MAGAZINE, COMUNICACIÓN EN BICICLETA, FEVER, LA MAQUINA DE ESCRIBIR, DR. MUSIC, CENTRAL MUSICAL, MERCURY WHEELLS, GAMERCO, AIRE DE MUSICA…

 

PROMOCIONAL:

ANA CURRA, EL COLUMPIO ASESINO, SECOND, ELLOS, WE ARE STANDARD, LORI MEYERS, DORIAN, LA HABITACIÓN ROJA, HOLA A TODO EL MUNDO, DIGITAL 21, XOEL LÓPEZ, ILEGALES, MAGA, GUSTAVO REDONDO, LOBOS NEGROS, OMEGA, JORDI MARANGES…

 

LIBROS:

“NIÑOS MUTANTES: 20 AÑOS, 20 CANCIONES” (Ediciones Ondas del Espacio).

“XOEL LÓPEZ: EL ASALTANTE DE ESTACIONES” (Ediciones Chelsea).

“NANI CASTAÑEDA: MUTANTE POR LA GRACIA DE DIOS” (Ediciones Chelsea).

 

EXPOSICIONES:

“MOVIMIENTO”  Madrid (2007).

“GRUPOS MUSICALES” *Colectiva. Valladolid, Toledo, Badajoz, Málaga (2011-2012).

“ROCK ESPAÑOL” Madrid, Ponferrada, Granada (2013-2017).

“MALASAÑA PIVOT” Madrid (2017)

“ERES FELIZ” Madrid (2019)

“EN PERSONA” Madrid (2019)

 

PREMIOS:

FINALISTA EN EL XLVIII PREMIO NACIONAL DE LA REAL SOCIEDAD FOTOGRÁFICA (2005).

PRIMER PREMIO DE FOTOGRAFIA DEL FESTIVAL CONTEMPOPRANEA (2009).

FINALISTA CON DOS SERIES EN FOTOACTITUD (2010).

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Alejandro del Estal es un artista emergente apoyado por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, comisariado, representación, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma. 
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LuzFumaneri

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Próximos eventos:

ABISMO "Cuerpo disidente y discurso amoroso"

La Gran Vía Cultural de Madrid se complace en presentar la exposición individual de pintura "ABISMO" de la artista Luz Fumaneri, organizada por Franquearte Vive el Arte y comisariada por Corina De Sousa. La muestra tendrá lugar del 22 de junio al 21 de septiembre de 2023 en la calle Gran Vía, 9, dentro del hotel Catalonia.

Con motivo de las celebraciones de Madrid Orgullo 2023, la inauguración se llevará a cabo el jueves 22 de junio a las 19:00h dentro del circuito de exposiciones del festival de Muestra T (la cultura del orgullo), y contará con la presencia de la autora y varios invitados especiales. Durante la exposición, los visitantes tendrán la oportunidad de recorrer dos de las series más poderosas de la artista: "Abismo" y "TODES". Ambas series abordan el tema de los cuerpos disidentes, la cultura queer y el discurso amoroso de diversos personajes portavoces de quienes no siempre son escuchados.

"Abismo" es una serie de pinturas que explora el discurso amoroso a través de figuras y conceptos literarios, filosóficos, psicológicos y lingüísticos. La artista utiliza una técnica mixta y una paleta de colores específica para representar las metáforas e ideas que ha experimentado en su vida. Esta serie adopta una perspectiva queer sobre el amor y busca cuestionar cómo el lenguaje influye en nuestra forma de expresarlo.

"TODES" es una serie de pinturas que destaca la lucha de la comunidad LGBTIQ+ a través de retratos de personas disidentes de género y sexualidad. Las obras representan el concepto de diversidad a través de la experiencia de personas reales, su historia y su búsqueda. La intención del proyecto es usar el arte como una plataforma para dar voz a aquellos cuyas voces no siempre son escuchadas.

Horario: Exposición abierta al público general en el horario de lunes a domingos de 10:30h a 22:30h | Dirección: La Gran Vía Cultural en c/ Gran Vía, 9 Madrid en la planta baja del hotel Catalonia | Línea de metro más cercano: Gran Vía, Sevilla y Banco de España ; buses 001, 1, 002, 2, 3, 46, 74, 146 | Para más información sobre actividades en La Gran Vía Cultural visite Franquearte.com/LaGranViaCultural | Para solicitar una visita guiada en el correo: franquearte@gmail.com

Articulo del diario EL MUNDO en una entrevista a la artista Luz Fumaneri

Luz Fumaneri (artista emergente)

Retrato de la artista emergente Luz Fumaneri

 Luz Fumaneri nació en 1986 en la ciudad de Buenos Aires (Argentina). Recibe allí desde muy pequeña sus primeras lecciones de dibujo y pintura a cargo de la artista Paola Balario. A los 17 años comienza la carrera de Profesora en Artes Visuales en la Universidad Nacional de arte (U.N.A) Termina sus estudios y sigue formándose en la Asociación Estímulo de Bellas Artes en clases de Modelo vivo a cargo del Artista Carlos Fels. Paralelamente asiste al taller del Artista Alejandro Boim para perfeccionarse en la pintura al óleo. Gana la beca de pintura y asistencia al taller del artista Nicolás Menza durante un año. Ejerce distintos cargos de Profesora en Artes Visuales en diferentes escuelas de la ciudad de Buenos Aries en nivel primario y medio. También dicta clases en su propio taller ubicado en la Capital Federal. Se muda a Madrid con la intensión de estudiar a los Grandes Maestros de la Pintura Española. Ingresa en el colectivo de Artes Visuales “Contacto” en el Centro Social Autogestionado de Tabacalera. Realiza su primera muestra individual en Madrid y se sigue formando con distintos Artistas Locales de la ciudad.

Collage de serie de pequeños formatos de la artista emergente

Abismo (Portafolio)

CONCEPTO GENERAL Abismo es un proyecto que remite al texto de Roland Barthes “Fragmentos de un discurso amoroso”. Las ideas que rondan éste texto abordan un retrato estructural del discurso sobre el amor entendido como inactual y, a la vez, intratable. Asimismo toma distintas figuras o personajes de la literatura, pero también conceptos que son parte de la filosofía, la psicología y la lingüística. Estas figuras engloban la declaración, el encuentro, las escenas de celos, el dolor, el corazón y el llanto, entre otras. Utiliza un método dramático para su representación escrita y entiende este procedimiento como una experiencia personal que fue recogiendo de diferentes lecturas, charlas, recuerdos. Existe aquí un concepto troncal que intenta unir todas las imágenes aquí reunidas y tiene que ver específicamente con el Abismo. Éste es definido por Barthes como “ataque de anonadamiento que se apodera del sujeto amoroso, por desesperación o plenitud”. Pero el Abismo en concreto, también es ese precipicio o lugar profundo en el que no puede verse el fondo.

INTERPRETACIÓN Cómo no es posible entrar en una suerte de generalidades totales, quise crear un sistema de símbolos que puedan remitir a cada uno de los capítulos y elegir una paleta en concreto para todo el proyecto. El recorrido que me interesa abarcar, al igual que Barthes, es un retrato personal acerca del discurso amoroso. Imaginar esas figuras en representaciones visuales acerca de las metáforas e ideas por las cuales he sido atravesada a lo largo de mi experiencia vital. ¿Qué otra cosa es la intención de expresar tus emociones en palabras si no un hueco oscuro y desconocido, un agujero negro ? Esa sensación bordea los límites del entendimiento, casi como quemándote los ojos.

Los personajes aquí configurados tienen especial atención en el cuerpo, en la expresión y, a su vez, son retazos de ese cuerpo que habla; sin estar completos, cada uno de ellos como una parte del todo. Todas las obras están hechas con una técnica mixta, una investigación propia con óleo y spray. Esta serie entiende el concepto del discurso amoroso desde una percepción actual, en el cual no hay una hegemonía heterosexual, si no que por el contrario se abre a entender todas las orientaciones sexuales. Una mirada Queer sobre sobre cómo decimos que nos sentimos cuando estamos enamorados. Se trata de entender el modo en el cual el lenguaje nos determina a la hora de expresar nuestros sentimientos. La intención de llevarlo adelante es una forma de comunicar cuánto nos afectan las tradiciones, los discursos amorosos entendidos en las grandes obras de la literatura y los mandatos sociales a los que estamos supeditados. Podría decirse que el proyecto no solo se limita a una revisión actual de cada uno de los capítulos de éste libro, si no qué, ahonda en la idea de comprender hasta donde somos conscientes todos los seres humanos de los parámetros discursivos que determinan nuestra forma de expresar el Amor.

TODES (Portafolio)

“Toca todo esto” me dijo Paca La Piraña cuando la conocí y puso mis manos sobre sus tetas y ahí quedé alucinada con todo su brillo. Me di el lujo de compartir con ella una tarde, tomarle fotografías para mi proyecto y fue uno de los momentos más hermosos que tuve en la vida. Su retrato representa una lucha en tiempos donde la categoría de mujer trans no existía y sin embargo la fuerza de su imagen mediática nos invita a reflexionar sobre cómo ha sido ser parte del colectivo LGBT viniendo de un pueblo donde todos la llamaban “maricón”.

 
Desde su cuadro, Paca nos mira a los ojos y nos señala. 
“I WANT YOU”, parece decir. 
                        Nos está reclutando.

Uxía, se define como persona no binaria, dedica el cuerpo y el alma a esa lucha por los derechos del colectivo LGTBIQ. “Necesitamos a nuestro lado a personas, que, aún viniendo de recorridos distintos o teniendo incluso privilegios de clase o de raza, usen precisamente esas circunstancias para visibilizar y dar voz a cuerpos disidentes”. De mirada y mensaje profundo, Uxía representa a esa juventud empecinada en transformar el pensamiento colectivo. “Vivir en diversidad es generar un espacio concreto donde puedan escucharse todas esas voces calladas por la historia y sus instituciones”. Y esa es la intención de este proyecto, que el arte sirva como plataforma para que empiecen a ser escuchados.

Ashton, bailarín, nacido en el Bronx, se define como hombre homosexual. Ha tenido que escapar de un entorno hostil para buscar un hogar donde pudiera, simplemente ser quien es. Su discurso es como su baile, elocuente: “Diversidad es entender que nuestras cualidades humanas son y serán por naturaleza, diferentes entre sí. Pertenecer al colectivo LGTBIQ es reivindicar esas diferencias y luchar por eliminar de raíz las violencias que sufrimos por no pertenecer al sistema heteronormativo”.

Ellandrophium es performer en la escena Queer madrileña. Cuando se caracteriza, su androgínia es la personificación de lo no binario. “Estar en el medio es una de las mayores formas de resistencia al sistema”. El poder intentar hacernos ver que lo “normal” es solamente aquello que está legitimado y aceptado por un grupo de personas que, no por casualidad, ostentan el capital más grande del planeta. Ellandrophium, como artista, representa la imagen invisibilizada, monstrándonos directamente lo nunca visto. Su retrato es el de la lucha militante, como el de todas esas personas a las que he pintado.

Exposiciones:

Exposición Colectiva “Feedback” American Poetry Museum 716 Monroe Street Ne, Whashinton DC 2020
Exposición Colectiva de Arte Textil CSA La tabacalera Embajadores 53, Madrid 2019
Exposición Colectiva Taller Con Tacto “Cuerpos Disidentes” CSA La tabacalera Embajadores 53, Madrid 2019
Exposición Colectiva Taller Con Tacto “Papyrus” CSA La tabacalera Embajadores 53, Madrid 2019
Exposición Colectiva Artistas de Tabacalera (PROYECTO T. A .P ) MAKIS COFFEE SHOP EMBAJADORES 34 MADRID 2019
Exposición Colectiva de Mujeres Artistas de Tabacalera CSA “La Tabacalera” Embajadores 53, Madrid 2018
Exposición Colectiva Colectivo de artistas “Contacto” CSA “La Tabacalera” Embajadores 53, Madrid 2018
Exposición de pintura “Todes, Retratos sobre la Diversidad” CSA “La Tabacalera” Embajadores 53, Madrid 2016
Exposición de pintura “Fuerzas Naturales” espacio de arte Imaginario Cultural Guardia Vieja 2500 Buenos Aires Capital Federal 2015
Exposición grupo de artistas jóvenes “Minga” con el proyecto de dibujo “Serendipia” en Galeria de arte Gabinete 2775 Buenos Aires
Capital Federal 2014 Exposición de dibujos y pinturas grupo de artistas emergentes M.I.M.O “Espacios” Comuna 13, Buenos Aires
Capital Federal 2013
Exposición de pintura grupo de artistas emergentes M.I.M.O “Rotación” Casa de arte Irala Buenos Aires , Capital Federal 2013
Exposición Multidisciplinaria estudiantes y docentes de la Cátedra Pagano perteneciente a la Universidad de Arte de Buenos Aires
(U.N.A) 2012 Exposición Artistas emergentes M.I.MO en espacio de arte “La casa del árbol” Buenos Aires, Capital Federal 2012
Exposición Artistas emergentes “Mandamiento” centro de arte “Casa Dasein” Buenos Aires, Capital Federal 2011
Exposición de Artistas emergentes “Mandamiento” centro de arte “El imaginario Cultural” Guardia Vieja 2500 Buenos Aires, Capital
Federal 2011

Luz Fumaneri es una artista emergente apoyada por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, comisariado, representación, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma. 
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Rafael Sainero

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Cartel de presentacion del guitarrista flamenco Rafael Salinero en el festival de cine de miami

Rafael Salinero (guitarrista flamenco)

Rafael Salinero nació en Madrid, y desde siempre ha estado muy cerca de la música. Inicialmente se acercó a la guitarra eléctrica a través del jazz y el blues, pero luego se adentró en el mundo de la guitarra flamenca. Realizó estudios de Magisterio Musical y comenzó su formación flamenca de la mano de Pepe Núñez y Josias, y posteriormente tuvo el honor de encontrarse con maestros de la talla de Rafael Riqueni y Manolo Sanlúcar. Finalmente, completó su formación en la Academia de Danza y Flamenco Amor de Dios (Madrid), junto a maestros como Candela Soto, Meche Esmeralda y Talegón de Córdoba. Este centro también se convirtió en uno de sus lugares de trabajo, además de participar en numerosas formaciones de cante y baile en peñas y tablaos, entre otros lugares.

Actualmente cuenta con más de 15 años de trayectoria como guitarrista profesional, componiendo música para obras de teatro, tocando en peñas flamencas, tablaos, organizando eventos flamencos y tocando con bandas de jazz flamenco en salas de conciertos y festivales como el reconocido Festival Jazz Madrid en el 2022.

Para contrataciones para eventos contactanos a través de +34 604 346 050 o escríbenos a franquearte@gmail.com 
Concierto de jazz flamenco en la gran vía cultural de madrid

Rafael Salinero  es colaborador y aliado  apoyado por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, ha contado con apoyo a la producción de sus últimos videos y material gráfico para la web Salinero Eventos Flamencos. Tambien hemos apoyado su marca a través del marketing y comunicación cultural.

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Maria Ovelar

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Próximo Evento:

Hola,

✏️💕Deseo que estos primeros meses del año hayan sido maravillosos. Organizo unos talleres de escritura erótica (narrativa + lírica) de dos sesiones (4 horas en total) los días viernes 1 y sábado 2 de marzo en Los Placeres de Lola (Doctor Fourquet, 34, Madrid) y me encantaría que vinieses.

📝💜Veremos técnicas para evocar el deseo y relatar escenas sexuales a través de poemas y extractos de prosa de escritoras como Anaïs Nin, Marguerite Duras, Cristina Peri Rossi, Violette Leduc, Clara Obligado o Sara Torres. Huiremos de los tópicos y capturaremos el placer desde los cinco sentidos. Aparte de recurrir a los tropos, nos centraremos en el ritmo y en el tono.

💜Aprovecharemos para reflexionar sobre el lugar de la mujer en la literatura erótica:
de deseada a deseante y veremos el papel de los verbos activos.
Cada sesión incluirá teoría y práctica. Se entregará a las/os participantes documentación con teoría y ejercicios.

Viernes 1 (18.30 a 20.30) y sábado 2 de marzo (17.30 a 19.30). Precio: 60 euros. Necesaria inscripción previa en:

Maria Ovelar


(Alicante, 1982) es escritora en sentido amplio: poeta, periodista, traductora (inglés, francés, japonés e italiano), copy creativa y artista perfomática.

Además de colaborar con EL PAIS, periódico en el que trabajó durante trece años, con 20Minutos, Cuadernos Hispanoamericanos y varias publicaciones de Condé Nast (Traveler, Glamour), ha sido profesora de literatura y de francés en la India (Mahindra United World College) y copy creativa de marcas como Carolina Herrera o Jean Paul Gaultier. 

Máster de periodismo en UAM / EL PAIS, licenciada de Traducción e Interpretación, y Bachillerato Internacional con una beca en el United World College of the Adriatic, María Ovelar organiza eventos literarios para el Ayuntamiento de Madrid y 21Distritos (ciclo Emilia Pardo Bazán, las místicas …), imparte talleres poéticos en bibliotecas e institutos y ha moderado varios micros abiertos y es la fundadora de la tertulia feminista LaSafo y la cofundadora del colectivo poético-reivindicativo Arta, con el que creó y realizó performances. Ha actuado en varios videoclips (Autosacramental), festivales de literatura (Festivalie, Cultura en Camiño…) y cortos (22 M de Gabriela Martí) y pincha como DJ Arta.

En su primer poemario, Las oceánicas (Valparaíso ediciones, 2022), prologado por la poeta y ensayista Olga Novo, Premio Nacional de Poesía, y publicado también en Valparaíso, María Ovelar reivindica el poder terapéutico de la palabra a la vez que revisa en clave feminista cuentos y arquetipos. En Diccionario de términos eufemísticos (Valparaíso ediciones, 2022), su segundo poemario, la escritora reflexiona sobre las dobleces del lenguaje y sueña con un idioma común que nos libere de las cadenas de los estereotipos y que acabe con la desgracia humana y la violencia contra las mujeres y otros grupos oprimidos. Este libro convoca el poder liberador y sanador de la palabra, a la par que denuncia el dolor que puede causar el lenguaje. Una oda a la naturaleza que no huye del asfalto y que la entronca con poetas como Safo, Aurora Luque o Silvia Plath.

Su poesía es un sortilegio contra la desigualdad y un acto de rebeldía con el que sueña con lograr el fin supremo de la poesía: cambiar el mundo. Su poesía es un sortilegio contra la desigualdad y un acto de rebeldía con el que sueña con lograr el fin supremo de la poesía: cambiar el mundo.

En 2019, ganó la residencia artística Axouxere para escribir su primera novela a la que acaba de poner punto final. A finales de 2022 ganó el premio Aliar Ediciones y su poema Canon será incluido en la IV Antología Aliar. Sus poemas se han publicado en las antologías Mujeres, brujas y luna llena, Long Play, Malasaña blues Vol 2, los tres de Mariposa Ediciones, y en revistas como Tarántula; A, Arte, Caos y Literatura, Ediciones Alborismos (también después de un concurso), Vallejo&Co y La Trinchera.

  • ¿De qué trata?

"Allí donde el diccionario se quede corto, recurre a la poesía."

Con esta reflexión sobre las dobleces del lenguaje, María Ovelar sueña con un idioma común que nos libere de las cadenas de los estereotipos y que acabe con la desgracia humana y la violencia contra las mujeres y otros grupos oprimidos. Este libro convoca el poder liberador y sanador de la palabra, a la par que denuncia el dolor que puede causar el lenguaje.

La autora juega a dar a las palabras un nuevo sentido, un nuevo uso: su misión es reapropiarse del lenguaje, voltear el diccionario. Esta actualización feminista de los mitos tiene tanto de sátira de los comportamientos heteropatriarcales como de canto a la libertad, pues teje una genealogía de abuelas, madres y hermanas: como escribió Adrienne Rich, nacemos de mujer. Una oda a la naturaleza que no huye del asfalto y que la entronca con poetas como Safo, Aurora Luque o Silvia Plath.

Su poesía es un sortilegio contra la desigualdad y un acto de rebeldía con el que sueña con lograr el fin supremo de la poesía: cambiar el mundo.

Destacados

“Diccionario de términos eufemísticos de María Ovelar condensa creativamente la tradición moderna del compendio de voces, al tiempo que luminosamente la cuestiona. Esta biblioteca imaginaria demuestra que Ovelar ya no necesita autoridades para afirmar su pulso delicado y valiente”.

María do Cebreiro, Premio de ensayo Ramón Piñeiro.

“Su poesía está hecha de voces hermanas del pensamiento salvaje, irreverente; bordea los abismos del lenguaje y de la costumbre e intenta desesperadamente no caer en sus trampas para poder ser ella misma y hablar desde su lugar. […] Una poética antediluviana que se proyecta desde otras coordenadas, ahistóricas, enraizadas en la intuición que emana del mito y donde la palabra fluctúa, se hunde o flota en las aguas, allí donde surge la vida y donde el orden del discurso se diluye”.

Olga Novo, Premio Nacional de Poesía 2021.

Fluide Scape invita a celebrar el día de la mujer con show Electropoético.

El próximo 7 de marzo a las 20.00, en la semana en torno al Día de la Mujer, la escritora y dj María Ovelar ofrecerá junto a la música y dj Inmoralia un recital electropoético.  

Bajo el título Llámame bruja, la autora de los poemarios Las oceánicas y Diccionario de términos eufemísticos (ambos publicados por editorial Valparaíso, casa de premios Cervantes como Rafael Cárdenas o Joan Margarit, y de Pulitzers, como Jericho Brown o Mary Oliver), reivindicará el arquetipo de la bruja -un símbolo de alteridad en el que podemos mirarnos las mujeres– con su poesía confesional, reconocida por el Premio Aliar.

La salud mental, los cuidados, la corrección política, los cánones y paradigmas que nos coartan, la dicotomía ciudad-campo, el cáncer de mama, la guerra de Ucrania son algunos de los temas de su poética.

Imoralia, una dj madrileña afincada en Barcelona, curtida en la escena berlinesa donde residió durante varios años, parte del proyecto Mann of Seasons y colaboradora de Le Syndicat Electronique, lvan Smoka y Tecib, pondrá música a sus poemas con vinilos. 

Bajo la gestión cultural de Franquearte Vive el Arte

LuciaSombras

 

Lucía Sombras

Doctora en Neurociencias, Bailarina Butoh, y Actriz por la Escuela de Teatro Nouveau Colombier y la Escuela Internacional de Teatro Arturo Bernal, donde se formó en la pedagogía de Jaques Lecoq e investigó el método suzuki, viewpoints, la técnica decroux, el bufón, la máscara y la danza contemporánea. Investiga la danza Butoh desde el año 2015 en el seminario de Butosofía de Jonathan Martineau y, posteriormente, junto a los maestros Mushimaru Fujieda (Physical Poets, Japón), Atsushi Takenouchi (Jinen Butoh School, Italia) y Yumiko Yoshioka. En 2017 comienza su proyecto de investigación escénica fusionando la danza Butoh con el teatro Físico junto a Orland Verdú en Oracles Teatro (Barcelona)

Actualmente, forma parte de la compañía Teatro Crudo, especializada en Teatro Físico y bufón contemporáneo, y es miembro de la compañía internacional de danza Butoh The Physical Poets. En solitario, como Lucía Sombras, aunque en colaboración con otras artistas, investiga la danza Butoh como herramienta del Deus ex machina en el teatro contemporáneo y como motor para la comunicación y la acción social, fusionándola con otras disciplinas como: la neurociencia, el teatro gestual, el títere bunraku, la poesía, la creación sonora o el audiovisual; dentro de su proyecto pedagógico de creación escénica Paisajes del Cuerpo Infinito. Como fruto de este trabajo ha desarrollado piezas donde el cuerpo femenino es, al mismo tiempo, el contenedor y el contenido para la metamorfosis trágica. Red Garden (2019), Broken Skin (2019), Afrodita (2019), Harmony (2019), Abranzando la muerte (2019), Sunflowergirl (2018), El Despertar (2018), Ice Dream o Acid Dream (2018) son algunos ejemplos de los últimos trabajos realizados en salas, teatros, galerías, espacios escénicos no convencionales y festivales internacionales, como el Jeju Experimental Art Festival en Corea delSur (JIEAF 2019) o el World Physical Poets Festival 2019 en Osaka (Japan). 

Es Formadora y coordinadora de proyectos de acción social a través de las herramientas audiovisuales y escénicas en OMC Radio y la Unión de Radios Comunitarias de Madrid (URCM), donde combina sus habilidades artísticas, científicas, técnicas y de innovación social para encontrar nuevos lenguajes de creación, acción y comunicación junto a la ciudadanía. Es creadora y realizadora del proyecto ConMayorVoz junto a Lideresas de Villaverde para mejorar la visibilidad de las mujeres mayores y empoderarlas en sus entornos. En su última edición, Al Final de la Vida Con Mayor Voz, su objetivo es contribuir a romper el tabú sobre la muerte y abrir el diálogo en los Centros Municipales de Mayores.

Artista Internacional del movimiento y coordinadora de proyectos para la acción social

Afrodita para Sabiduría Femenina

AFRODITA es el
resurgir del cuerpo de
la tierra tras el abuso
de la humanidad. . .

Un cuerpo entre el día y la noche,
entre la luz y la oscuridad,
entre lo femenino y lo masculino,
entre lo visible y lo invisible,
entre lo bello y lo terrible,
entre el nacimiento y la muerte:

El cuerpo de la metamorfosis.

Llevaré mi cuerpo
allí donde mi alma
no es capaz de
llegar
Lucía Callén

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ElenaFernandes

  Describe su obra como libre y original. Su trabajo es un encuentro con el residuo y la pintura donde cualquier material (listones de madera, enjambre de hilos, piezas metálicas, retazos de cuero, cortes de cadena) tiene el potencial de ser reaprovechado.

  Apasionada por la combinación de formas, texturas y colores, manifiesta en su trabajo como artista una fascinación por recoger, reconstruir y transformar residuos, armar objetos y crear arte con ellos. El resultado de esta práctica son piezas que integran de manera armónica elementos y materiales con los más diversos orígenes pero siempre inspirados en la vida, la ecología, el reciclaje y la transformación. “Cuando los descubro y llevo a mi taller, la conexión es absoluta”.

Artist Statement

  Soy una pintora apasionada de la combinación de formas, texturas y colores. Mi estilo es abstracto y creo composiciones con materiales de desecho que ensamblo y mezclo con pintura. Manifiesto en mi trabajo como artista una fascinación por recoger, reconstruir y transformar residuos de diferente naturaleza y crear arte con ellos. Salir a la calle y explorar es mi primer encuentro creativo. Qué encontraré? Cómo lo encontraré?. El inicio de mi obra la determina el estado de daño o deformación que presenten los desechos que encuentro.  

  Realizar un encuentro entre ellos, que se amalgamen, que se encuentren entre sí y se fundan para crear un sentido real o ficticio es el fundamento de mi obra. A partir de allí, mi imaginación comienza a volar. Recojo y reutilizo materiales que la sociedad y yo como ente individual lanzamos como desecho al planeta. El resultado de esta práctica son piezas que integran de manera armónica y pulcra, elementos con los más diversos orígenes combinados con color y siempre inspirados en la vida, la ecología, el reciclaje y la transformación.

Próximo encuentro con la autora:

F O R M A C I O N
2018. Iniciación a la Orfebrería. YC Orfebrería. Caracas.
2015. Taller Experimental de Artes Visuales. GALERIA DE ARTE NACIONAL. Caracas.
2013. Taller de Plástica Experimental. ESCUELA DE DISEÑO HAUSTAGS. Caracas.
2013. Taller de Dibujo y Técnicas pictóricas al agua. UNEARTE. Caracas.
2013. Taller de Oleo, acuarela y pintura acrílica. UNEARTE. Caracas.
2000. Ensamblaje de accesorios y técnicas para la elaboración de bisutería. Caracas.
E X P O S I C I O N E S
2019. Colectiva: ¨Autorretrato”. Segunda Edición. Biblioteca Valdeluz. Guadalajara, España.
2019. Exposición Individual “Colección Sombras”. Biblioteca Valdeluz. Guadalajara, España.
2019. Exposición Individual “Colección Sombras”. Teatro Buero Vallejo. Guadalajara, España.
2018. Colectiva: Exposición de Pintura “19 ArtShow”. Espacio TYCE. Guadalajara, España.
2018. II Bienal Internacional de Arte Contemporáneo Eve-María Zimmermann. España.
2018. Colectiva: ¨Autorretrato”. Biblioteca de Dávalos. Guadalajara. España.
2016. Colectiva: ¨De la Poética Cromática y la Grafía. Biblioteca Central UCV. Caracas.
2015. IX Colectiva Nacional de Artes Plásticas de la UNA. Biblioteca Central UCV. Caracas.
2015. Collective Art Contemporary:¨Cabotage¨.Palazzo della Contessa. Montescudaio, Italia.
2015. Colectiva: ¨Poética del Espacio y el Tiempo¨. AVAP. Caracas-Venezuela
2014. Connekt Art Expo Rome 2014. Teatro Dei Dioscuri. Italia.
2014. Colectiva de Arte Ecológico: ¨Ecología para Depredadores¨. AVAP Caracas-Venezuela

R E C O N O C I M I E N T O S
2018. Ganadora del Concurso de Pintura realizada en el evento Guadalajara tiene Talento.
Asociación Cultural Anburtor. Castilla La Mancha - España
2014. Nominated by the judging team of Connekt Art Expo - Roma 2014 as the:
¨Top 5 exhibiting artist of Connekt 2014 in terms of Creativity


P U B L I C A C I O N E S
2019. Entrevista realizada por el Ayuntamiento de Yebes, en ocasión de mi Exposición
Individual “Colección Sombras” en Guadalajara, España. 

2016. Primera edición de la Revista Virtual de Arte ¨INEDITO¨. Elena Fernández: Color y
Textura.

Elena es una artista emergente apoyada por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, comisariado, representación, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma. Además, estuvo bajo la consultoría del programa de psicofranquearte para el desarrollo de su carrera artística.

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KAI NANSHE

Kai Nanshe se ha formado en el Guildford College of Technology y el Marlborough College, Reino Unido, en la Universidad de Bayreuth, Alemania, y en la Universidad Politécnica de Madrid. Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas y su obra figura en colecciones privadas en Alemania y España, donde reside actualmente.

Macrocosmos y microcosmos se dan cita en sus lienzos a través de fragmentos de color superpuestos con intricadas formas orgánicas que invitan a viajar hacia el interior de uno mismo.

Su obra comienza con una tormenta de colores que se va construyendo a través de capas superpuestas con medios mixtos, que van revelando una interacción de luz, textura y color.

El resultado de estas experimentaciones es una armonía cromática con una fuerte presencia física que cambia constantemente con la perspectiva del espectador y las condiciones de iluminación.

Paul E. Davies

Paul E. Davies

Paul Edward Davies (Londres, 1962) es grabador, pintor y fotógrafo, afincado en San Lorenzo de El Escorial, Madrid desde 2000. Principalmente autodidacta, llegó a las artes visuales (inicialmente a través de la arteterapia) a la edad de cuarenta años. Ha estudiado grabado con Enrique González y María Expósito Santiso y encuadernación con María Luisa Núñez. Ha participado en iniciativas colectivas como Escorial Estudios Abiertos e Imagina Escorial y fue uno de los fundadores de Ruta de Arte, una asociación de artistas de la Sierra de Madrid.

Su trabajo artístico suele centrarse en lo abstracto y en el mundo natural, muchas veces explorando la frontera entre la figuración y la abstracción. Es estudiante del zen y sus obras se nutren de ideas, temas e imágenes de esta fuente. La literatura –sobre todo la poesía– también ha sido fuente de inspiración y el artista ha creado varias series de pinturas, grabados y libros de artista inspirado por, entre otros, Dylan Thomas, William Wordsworth, William Shakespeare, San Juan de la Cruz y Ehei Dogen.

En los últimos años, el monotipo –quizá la forma de grabado más cercana a la pintura– se ha convertido en el medio preferido del artista, que lo aprovecha por su flexibilidad, su inmediatez, y por el papel que juega el azar en el proceso. También está explorando las muchas posibilidades que ofrece el formato del libro de artista. Su libro de artista Música Callada fue seleccionado para la exposición del V Premio Libro de Artista Ciudad de Móstoles 2019.

ARTIST’S STATEMENT

Creo arte porque tengo algo que quiero decir y compartir. Creo arte para expresar sentimientos e ideas. Creo arte para intentar entenderme a mí mismo y entender el mundo que me rodea.

INSPIRACIÓN

Hay muchas fuentes de mi inspiración, de las cuales las más importantes son la naturaleza, la poesía, la música, y las tradiciones espirituales del budismo zen y el misticismo cristiano. A veces, la obra surge del silencio de la meditación, a veces de la pasión de una emoción fuerte; en ocasiones de una imagen en el ojo de la mente, en otras de un fragmento de poesía. 

PROCESO

Suelo trabajar en serie. Un solo imagen o idea puede inspirar una serie de trabajos que, una vez empezado, tiene su propia vida y me lleva a destinos no previstos. En esta manera, una frase del poema “Fern Hill” de Dylan Thomas provocó una serie de pinturas que comparten el nombre Sea Chains, el poema “Intimations of Immortality” [Atisbos de la inmortalidad] de Wordsworth encadenó la serie de acuarelas Intimations y los poemas de San Juan de la Cruz han sido la fuente de varios grabados y libros de artista.

MEDIOS

Investigué y probé varias técnicas de pintura y grabado antes de llegar al monotipo como mi medio preferido. Es la forma del grabado más cercana a la pintura (ha sido llamado el “hijo bastardo de la pintura” y he adoptado este hijo con mucho cariño). Disfruto esta técnica por su inmediatez, su flexibilidad y por el hecho de que no se puede controlar todo el proceso (siempre hay un elemento de azar y a menudo una sorpresa –agradable o no– en la obra final). Asimismo, disfruto la flexibilidad y fluidez de las acuarelas líquidas. En los últimos años, el libro de artista ha llegado a ser de cada vez más importante como medio de expresión. En mi obra fotográfica, busco el momento justo y exploro el mundo –sea lo de la naturaleza o lo del paisaje urbano– siempre intentando quitarme de en medio y dejar que las cosas me hablen.

ESTILO

A menudo abstracto –o habitando la frontera entre la representación y la abstracción– siempre expresivo, mucha de mi obra celebra el color (las series de grabados Green Thoughts y Blue Notes son buenos ejemplos, también las series de acuarelas Intimations y Liquid Geometries) y suelo trabajar más con mancha que línea.

CONEXIÓN

En mi trayectoria, el arte apareció inicialmente en la forma de la arteterapia, como un medio para expresa lo que estaba escondido que no podía expresar en palabras (y he ganado la vida en el mundo de la palabra como periodista, editor y traductor). A través del arte, a través de lo visual, puedo conectar a un ser más auténtico. No entiendo todo este proceso (tampoco quiero entenderlo demasiado). Pero lo que sí entiendo es que esta expresión artística –sea de tristeza o dicha, oscuridad o luz– conecta y comunica con otras personas. Y, al fin y al cabo, es la comunicación que es la misión del artista.

Exposiciones individuales 

2019:and let things speak to me…, fotografía, Petit Verdot, San Lorenzo de El Escorial 
2018: Blue Notes, monotipos, Petit Verdot, San Lorenzo de El Escorial
2016: Wild Garden, monotipos, Casa de Cultura de San Lorenzo de El Escorial
2013: Aguas: abstractions and expressions, pintura y grabado, Casa de Cultura de San                      Lorenzo de El Escorial
2009: Fotografías, Café Babel, San Lorenzo de El Escorial
2009: Still Life, fotografía, Librería El Bandido Doblemente Armado, Madrid
2009: Reflejos, fotografía, Galería De Autor, San Lorenzo de El Escorial
2008: Naturalezas, grabado y fotografía, Casa de Cultura de San Lorenzo de El Escorial
2005: Buda y Luna, grabado y fotografía, Librería Lauviah, San Lorenzo de El Escorial
2004: Terreno Herido, grabado y dibujo, Casa de Cultura de San Lorenzo de El Escorial


Exposiciones colectivas
2018: 5º Anniversary, Galería Carlos Moltó, Madrid

2017: Coloquio. Galería Antonio de Suñer, Madrid
2016: Zona Incontrolable II, estudio de Daniel Merlín, San Lorenzo de El Escorial
2016: Imagina Escorial, Galería Edurne, El Escorial
2016: Ventanas al Arte, San Lorenzo de El Escorial
2015: Monocromos, Galería Edurne, El Escorial
2015: Zona Incontrolable, estudio de Daniel Merlín, San Lorenzo de El Escorial
2014: Ruta de Arte, Casa Museo de Julio Escobar, Los Molinos
2009: Varios, Variopintos y  Varatos, Galería De Autor, San Lorenzo de El Escorial
2006:  Galería Álvaro Sellés, San Lorenzo de El Escorial
2004: Radical Visions from Bipolar Worlds, ABC No Rio gallery, New York 

Diego Cespedes

BANNER FRANQUEARTE

Artist Statement

  Encontré que en el arte podía articular todo eso que me identifica: el amor que tengo desde pequeño por los animales y la naturaleza, junto con los versos bíblicos que me han acompañado durante la mayor parte de mi vida; los que se han convertido en mi inspiración y base moral con las que busco ser  honesto conmigo y ante los demás a través de mis obras.

  Dibujo detalladamente con la idea de emitir un mensaje personal claro, por ello no hay un solo trazo que no tenga sentido en mis obras. Cada símbolo plasmado ante los ojos del espectador será la oportunidad de hallar un proceso artístico pensado y de transcendencia en su  significado.
Mis piezas se hacen real en la medida en que se conectan con la vida que nos rodea, aspirando tocar fibrillas en el aspecto moral, sobre situaciones sociales a  reflexionar.

  Con mis obras busco marcar una fuerte tendencia a lo simbólico que logro reflejar a través de los animales. Generando conciencia, proponiendo un cambio sobre las prácticas humanas en las que erramos y acabamos con la vida. Y fomentando así que la existencia animal no se quede solo en la belleza de una obra de arte. El dibujo a su vez, se ha convertido en una experiencia de introspección, es esa búsqueda interna de mi ser, donde sano heridas emocionales, donde me doy el permiso de aligerar el equipaje de mi vida. Plasmo con mis manos un mensaje que no vuelve vacío, sino que puede transformar conceptos. 
 

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Colombia (1992)

Artista plástico y audiovisual  por la Universidad Distrital de Bogotá - Colombia, con especialidad en bellas artes, dibujo y pintura. 

Exposiciones Individuales:

· Humanidad Animal en Mür Café Enero 2020 - Madrid

Apertura de la Galería de la CCV
Cámara de Comercio de Villavicencio
Septiembre – Octubre 2015
Villavicencio, Meta

Exposiciones Colectivas:

· III Bienal Premio Grau a las Artes
Fundación y Galería Casa Grau
Agosto 2018
Bogotá DC, Colombia

· Bogotá OPEN Art Gallery
Hotel Wyndham
Agosto – Septiembre 2016
Bogotá DC, Colombia

· Arte 20/20
Club Atheneum – World Trade Center
Mayo 2015
Bogotá DC, Colombia

· Salón de Arte Bidimensional
Fundación y Galería Casa Grau
Agosto 2014
Bogotá DC, Colombia

Diego Cespedes  es un artista emergente apoyado por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, comisariado, representación, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma. Además, estuvo bajo la consultoría del programa de psicofranquearte en introducción al mercado de arte.

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