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EphemeralProjects

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Marta Martínez es Ephemeral Projects

Marta Martínez García (Madrid, 1987) , asesora y curadora del equipo de Franquearte

Licenciada en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid (2014) Máster en Virtualización de Patrimonio por la Universidad de Alicante (2016) y Especialista en Digitalización de Patrimonio a través de la Fundación UNED.

Dada mi formación, desarrollo mi actividad desde una doble vertiente. La primera vinculada al Patrimonio Cultural, en la actualidad desempeño la labor de docente  en cursos formativos de técnicas emergentes aplicadas a Patrimonio Cultural en la Escuela Superior de Conservación y Restauración de Bienes Culturales.  Además he participado en dos convocatorias del Simposio Internacional de Arqueología, siendo parte del equipo de la maratón de virtualizadores de las Termas De Nossa Senhora da Tourega, Évora y Monte Monzihno , Penafiel, ambas realizadas en Portugal. Finalmente soy fundadora de VIDI. Virtualización y Digitalización de Patrimonio.  Y finalmente he sido la comisaria de la exposición “ Dibujo Arqueológico: Ciencia Arte y Técnica” organizada a través de ADARQ. Asociación Nacional de Dibujantes e Ilustradores de Arqueología que tuvo sedes en La galería independiente de la Tabacalera, Sala Aifós Universidad de Alicante y Palacio del Infantado, Guadalajara.

Por otro lado desde el principio, durante la carrera enfoque mi especialización en Arte Contemporáneo, realizando las prácticas formativas en la Galería Max Estrella (2013). Posteriormente  conjugo las nuevas tecnologías dentro del arte contemporáneo trabajando como freelance en la función de asistente de virtualización en proyectos artísticos y de comisariado. Trabajando, entre otros proyectos contemporáneos,  para el estudio de Eugenio Ampudia y de forma puntual en la Galería Max Estrella.

En la actualidad y siguiendo mi marco profesional, soy fundadora de Ephemeral Project. Partiendo dentro del comisariado independiente en la sala Híbrida Arte Efímero Salón.

"El arte no es un espejo para reflejar la realidad, sino un martillo para darle forma."

Bertolt Brecht

Proyecto de comisariado independiente enfocado al acercamiento del arte contemporáneo a la sociedad actual. Buscando los resortes que articulen la empatía entre arte e individuo, Creando entre ambos una simbiosis necesaria y vital.

Ephemeral Projects es un proyecto flexible y en desarrollo, cuya finalidad es
investigar el dilema en clave entre el factor sociedad y la expresividad artística contemporánea. Utilizando para ello, el valor de lo instantáneo y efímero tan presentes en nuestra cultura, dejando como pleno protagonismo el enriquecimiento que puede ofrecer la huella artística en la conciencia de cada individuo.

 

Four Times_ Natalia Lee ( Nalee) Abril- Junio 2019

Huellas de Sal _Berta Otero Septiembre- Octubre 2019

Frequency_ Daniel Barroso  Octubre-Noviembre 2019

Próximos Eventos:

Dentro del calendario de Sabiduría Femenina:

Marta es comisaria y gestora apoyada por la plataforma de Franquearte Vive el Arte.

Toda la información proporcionada en esta página está protegida por derechos de autor, si requiere cualquier otra información puede contactar directamente a través de nuestra sección de contacto o a través del correo franquearte@gmail.com o al +34 604 346 050.

 

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YogaPoetico

Más sobre el Evento Aquí
***Sé CoAutor de la Naturaleza del Ser y Vive el Arte - Con la compra de tu entrada, el día del evento encontrarás una obra firmada para ti * Y muchas sorpresas más que te esperan despertar los sentidos y hacer de este encuentro una experiencia inolvidable **

· Iniciaremos el recorrido con una presentación de la performance producida por CLD Visual, REMADOR MUSIC, Threeones y Galisteo Art ·

· Unos minutos despues, se abre paso  a una sesión muy especial de YogaPoético bajo la dirección de Ampi Alcaráz en un ambiente tenue y colorido, armonizado por una selección de melodías profundas ·

· Al finalizar la sesión de yoga, se aperturan las puertas y se encienden el ambiente en una instlación libre y natural donde muchas sorpresas os esperan de la mano de todos los artistas invitados ·

· Inspirando la creatividad, generando sirnergias colectivas · Obras llenas de color, naturaleza y reflexión para llevar a una perfecta fusión entre fotografía, música, pintura, moda, y vídeo arte... ·

· Acompañado de un gran menú veggie patrocinado por Mamma Bunny y las bebidas energeticas y saludables de KomVida... ·

Conoce a los Artistas en el Dossier de Presentación:

#Artes #Yoga #ArteenDirecto #Performance #Música #Fotografía #Poesía #Moda #ComidaSaludable #VideoArte #ArteColectivo

YogaPoético es una experiencia que fusiona arte, yoga y música en espacios secretos.
Creamos climas para que la gente conecte con su cuerpo, su mente y su espíritu creativo a través de este rito ancestral.
Buscamos la aventura de lo sublime valiéndonos del cuerpo, el sonido, la imagen, la poesía, es decir, del arte.

Diseñamos un viaje sensorial y así transmitimos el yoga como un arte.

Entendiendo por Yoga la unión de nuestras partes con nosotros mismos, de uno mismo con el universo, de la expresión como espacio de comunión invisible entre personas.

SOMOS EL CANAL ENTRE GENTE QUE QUIERE HACER YOGA Y ARTISTAS QUE QUIEREN PLASMAR Y MOSTRAR SU ARTE DE UN MODO MAS PERSONALIZADO.
Para más información sobre venta de entradas especiales, grupos, patrocinio y clases particulares; puedes contactarnos a través de franquearte@gmail.com

Una organización emergente y sin fines de lucro, enfocada en la activación de los ecosistemas artisticos, el desarrollo cultural y pedagógico con impacto social. 

Con franquearte · Vive el Arte
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CLDTalleres

 

CLD Talleres

CLD Talleres

  • Fotografía Introspectiva.
  • Danza, corazón y esencia.
Imparte: Corina López De Sousa

Danza, corazón y esencia

Dirigido a: Niñas de 3 a 13 años.

En este taller aprenderemos sobre:
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LAGRANBELLEZA

Presenta:

De Musa a Niña - Taller de Creatividad desde el género

¿Somos las mujeres igual de creativas que los hombres? ¿Es la creatividad un área reservada sólo para los hombres? Este taller pretende desmontar algunos mitos preconcebidos y hacer un recorrido histórico por el rol de las mujeres en diferentes artes. Tras este viaje por la creatividad femenina, definiremos entre todas una creatividad en las que nuestras visiones femeninas tengan cabida y sean puestas en valor. Conoceremos las vidas de algunas de las artistas más influyentes, y también dejaremos un hueco para todas aquellas mujeres anónimas que han influido en nuestra forma de ver el mundo a través de un arte que nunca fue reconocido.

Se trata de un taller experiencial en los que indagaremos en la creación artística desde diversos enfoques a través de diversas disciplinas artísticas: de la pintura, de la escritura, de la fotografía y del cine. Habrá una parte teórica y una parte práctica que se alternarán para hacerlo más dinámico. Haremos diferentes juegos para desarrollar nuestra creatividad, y a la vez aprenderemos a reconocer cuáles son las barreras a las que tenemos que enfrentarnos como mujeres a la hora de dejar esa creatividad fluir. Ya decía Virginia Woolf que para escribir una mujer necesitaba independencia económica y un cuarto propio, con este taller queremos crear un espacio de libertad creadora, un cuarto propio pero compartido con otras mujeres que tengan ganas de superar los límites establecidos y lanzarse al alucinante viaje de la creación. Aprenderemos que no existe el error en el arte y dejaremos que la curiosidad nos guíe.

Dirigido a:

Mujeres que quieran conectar o reconectar con su lado creativo y encontrar su voz propia, sea cual sea su experiencia.

Modo de trabajo:

A lo largo del curso, iremos intercalando actividades teóricas que nos hagan cuestionarnos nuestro lugar en el mundo como lectoras y creadoras. Por otro lado, leeremos y analizaremos textos literarios de autoras distintos que han marcado el avance del feminismo en la historia, así como enunciaremos posibles vías de investigación feminista en el futuro. Por último, propondremos ejercicios prácticos de creación enfatizando determinadas herramientas que nos han sido tradicionalmente limitadas.

Ejes Temáticos

Partimos de la novela Jane Eyre, considerada una de las primeras novelas feministas, y nos acercaremos a otras de nuestras referentes como Simone de Beauvoir o Virginia Woolf. Haremos referencia a diferentes artistas, pensadoras y autoras españolas e internacionales como Virgine Despentes, Judith Butler, Paul Preciado, Alice Walker, Margaret Atwood, Gloria Fuertes, Carmen Martin Gaite, Emilia Pardo Bazán o Doris Lessing.

En concreto el programa se divide en estos cuatro ejes:

  1. La negación o la contaminación de la autoría de las mujeres.  A lo largo de la historia, las creadoras han sido aisladas por diversos motivos. Hablaremos y de los procesos que llevaron a dicha injusticia y desempolvaremos textos olvidados. 
  2. La mujer como musa. Los creadores han dibujado a sus musas desde la mirada machista imperante en la sociedad. Compararemos los personajes planos contra los más complejos, la perpetuidad de los estereotipos durante siglos…
  3. La mujer como autora. Hay temas o escenarios que se han considerado de segunda clase en favor de otros como la guerra que solían protagonizar los hombres. Así, haremos hincapié en algunos los temas invisibilizados como la menstruación, los partos, la exigencia de ser madre…
  4. Presente y futuro. Herramientas creativas desde lo femenino.Bucearemos en algunos puntos de vista, procesos y sentimientos que por el hecho de ser mujer hemos vivido y que nos pueden servir para escribir textos únicos. 

Cada bloque lleva aparejado propuestas material bibliográfico que proporcionaremos en clase y propuestas creativas concretas.

Objetivos:
  •  Deconstruir el mito de que no ha habido en la historia mujeres artistas o que la creatividad es algo más propio de los hombres.
  •  Dar herramientas a las participantes para explorar y desarrollar su lado creativo en un ambiente abierto y seguro.
Imparten:

IRENE FERNÁNDEZ (Madrid, 1985). Con 24 años descubrió su amor por el teatro trabajando en un campo de refugiados palestinos en el Líbano y con 31 se doctoró en estudios culturales por la Universidad de Londres. Su tesis se titula: 'Actuando la Inmobilidad: el cuerpo individual-colectivo y la representación de subjetividades confinadas en el teatro palestino contemporáneo'. En Berlín, donde solía vivir, fundó el colectivo Random Pointer con la artista interdisciplinar Agustina Palermo, cuyas acciones e intervenciones urbanas se centran en las intersecciones entre lo público y lo privado.

CARMEN ESTIRADO (Madrid, 1985) es escritora y periodista. Autora de Fábrica de luz (Seurat, 2018) y Las llaves de casa (Ediciones Atlantis 2013), proyecto galardonado con el premio Isla de las Letras a mejor “novela urbana” (2014). También ha participado en antologías (Golpe a la violencia de género, Ediciones Atlantis 2014 o Discípulas de Gea 2, Iventa Editores 2018) y en revistas literarias (La Cigarra -México marzo-mayo 2015- y Flotante Mag -México junio 2016-). Como redactora ha trabajado en medios como GestionaRadio, El Mundo o La Sexta. A día de hoy, desempeña las labores de directora editorial de la revista literaria La Gran Belleza.   

El taller consta de 4 sesiones de una hora. 
Costo del taller: 40€ - Incluye material de trabajo

Lugar: Santana Art Gallery - Paseo la Castellana, 190.

Para más información: franquearte@gmail.com

El laboratorio de los cuentos - Taller creativo para niñ@s

Este taller pretende acercar la imaginación al creador. Las profesoras guías leerán un cuento clásico al inicio de la sesión como motor de inspiración. Cada cuento elegido lleva aparejado una manera distinta de crear: El principito, La pequeña Lulú, Elige tu propia aventura, Cuentos para niños que suelan con cambiar el mundo, Los músicos de Bremen, Juan sin miedo, El patito feo… Después, los niños serán partícipes de distintos juegos que están diseñados para imaginar las distintas partes necesarias del cuento: personajes, narrador, nudo, desenlace… Así, cada pequeño escritor construirá un cuento distinto que será entregado por las guías a los padres para que su autor pueda disfrutarlo en casa cuantas veces quiera.   

Dirigido a:

Niños y niñas entre 3 y 10 años. Los talleres después se dividirán por edades/madurez y habilidades de los participantes. Cada niño es distinto y cumplirá un papel en la creación del cuento.   

Modo de trabajo:

El taller tiene una duración de 2 horas, a priori sin intermedio, ya que posiblemente la propia dinámica del taller no sea continua. Los padres pueden acompañar al niño o no, a elección.

El objetivo, además de divertirse, es que el niño sea partícipe en la creación de un cuento. Que no sea un agente pasivo sino que la historia se genere a raíz de sus ideas, con los profes como guías para avanzar el cuento.

Para ello, en la primera parte, los niños escucharán cuentos. Después, jugaremos con sonidos, dibujos, canciones y marionetas. Esta parte acaba con poesías infantiles visuales que harán aflorar su imaginación. Y terminaremos el taller con la creación de un cuento entre todos los niños. Para ello, los profes propondrán ideas para que ellos, de forma individual o en grupo, creen un cuento colectivo, exclusivo y único en cada taller.

El cuento, tras una bonita y cuidada maquetación, se enviará a los padres en formato digital.

Ejes Temáticos

Los pequeños artistas crearán una historia inspirada en los siguientes cuentos:

  • El principito.
  • La pequeña Lulú.
  • Elige tu propia aventura.
  • Cuentos para niños que sueñan con cambiar el mundo.
  • Los músicos de Bremen.
  • Juan sin miedo.
  • Cuentos infantiles de La gran belleza.
  • El patito feo y el monstruo rosa.
  • Cuentos de los Hermanos Grimm.
Objetivos:
  • Mostrar al niño la creatividad desde el juego. Perder el miedo al papel en blanco. Descubrir que hay infinitas maneras de arrancar una historia, de hacerla avanzar y terminarla.
  • Exteriorizar la voz original de cada niño.
  • La construcción de los personajes servirá como base para que el niño trabaje su parte emocional y física. 
  • Trabajaremos en grupo por lo que el alumno deberá aprender a formar parte de una comunidad y sobre todo cómo tomar decisiones dentro de esta.
Imparten:

IRENE FERNÁNDEZ (Madrid, 1985). Con 24 años descubrió su amor por el teatro trabajando en un campo de refugiados palestinos en el Líbano y con 31 se doctoró en estudios culturales por la Universidad de Londres. Su tesis se titula: 'Actuando la Inmobilidad: el cuerpo individual-colectivo y la representación de subjetividades confinadas en el teatro palestino contemporáneo'. En Berlín, donde solía vivir, fundó el colectivo Random Pointer con la artista interdisciplinar Agustina Palermo, cuyas acciones e intervenciones urbanas se centran en las intersecciones entre lo público y lo privado.

CARMEN ESTIRADO (Madrid, 1985) es escritora y periodista. Autora de Fábrica de luz (Seurat, 2018) y Las llaves de casa (Ediciones Atlantis 2013), proyecto galardonado con el premio Isla de las Letras a mejor “novela urbana” (2014). También ha participado en antologías (Golpe a la violencia de género, Ediciones Atlantis 2014 o Discípulas de Gea 2, Iventa Editores 2018) y en revistas literarias (La Cigarra -México marzo-mayo 2015- y Flotante Mag -México junio 2016-). Como redactora ha trabajado en medios como GestionaRadio, El Mundo o La Sexta. A día de hoy, desempeña las labores de directora editorial de la revista literaria La Gran Belleza.   

una sesión semanal de 1hora y 30minutos. - 30€ por participante - incluye material de trabajo

Lugar: Santana Art Gallery - Paseo la Castellana, 190.

Para más información: franquearte@gmail.com

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Taller Cornelius

 

Talleres Cornelius

Talleres de Escultura con Cornelius

  • Uso de herramientas informáticas en la creación y ejecución de obras artísticas.

  • Uso de material reciclado en la creación y ejecución de obras artísticas.

Imparte: Cornelius

Taller: Uso de herramientas informáticas en la creación y ejecución de obras artísticas.

Dirigido: Adultos en General

En este taller aprenderemos sobre:

  • Manipulación de imágenes.
  • Programas de dibujo vectorial 2D y 3D.
  • Generación de objetos paramétricos, Grasshopper.
  • Creación y revisión de sólidos.
  • Impresoras 3D. Fresadoras CNC.

Trabajando con un ordenador portátil enviando la señal a una pantalla. Se utilizarán programas gratuitos o con versión de prueba.

Se dispone de una impresora 3D, y una fresadora si se considera necesario. 

Realización de una obra colectiva como proyecto final. 

intensivo: 2 sesiones de 6 horas - Sábado y Domingo por la mañana

Taller para máximo de 8 personas. 

Costo: 150€

Taller: Uso de material reciclado en la creación y ejecución de obras artísticas.

Dirigido: Adultos en General

En este taller aprenderemos:

  • El tiempo como elemento transformador.
  • Objetos que se transforman en función de su posición, luz, color, estado/situación, textura, temperatura….
  • Dos objetos iguales, y una circunstancia externa que modifica uno de ellos.
  • La dualidad de “A” es, a veces, ella misma.
  • Objeto desubicado (con entorno modificado).
  • Elemento discordante en una serie o un grupo.
  • Recombinación. El intercambio de información en la recombinación como elemento de evolución, trasladado fuera de la reproducción sexual.
  • Transitivo. El que produce y el que es producido.

Dando pautas para la reutilización de objetos y materiales...

A través de un ordenador portátil enviando la señal a una pantalla. Se intentará disponer de muestras físicas y ejemplos de obras realizadas para:

  • Gestión de residuos.
  • Uso de materiales procedentes de reciclado.
  • Uso de objetos y materiales deshechados.

Técnicas Implementadas:

  • Combinaciones de materiales.
  • Mecanizado.
  • Pegamentos.
  • Morteros hidráulicos.
  • Soldadura.
  • Materiales procedentes de reciclado.
  • Gestión de residuos de obra.
  • Telas. Papel. Cartón. Madera. Metales. Plásticos. Entramados, cestería.
  • Imágenes con suma de objetos pequeños. (software)
Beneficios: 

Combinar elementos contrapuestos, y aplicar la capacidad que Howard Gardner atribuye a la Inteligencia visual-espacial de poder observar el mundo y los objetos desde diferentes perspectivas, para estimular la curiosidad, la duda, el intento de comprender ante las opciones posibles, o probables.

Introducir el elemento discordante en la percepción visual, para provocar sensaciones contrapuestas, que provoquen repensar lo asumido.

Se trata de provocar la duda, la reflexión, la reformulación de “lo establecido”, el paradigma, desde la percepción, la intuición y el experimento.

intensivo: 2 sesiones de 6 horas - Sábado y Domingo por la mañana

Taller para máximo de 8 personas. 

Costo: 250€ por participante.

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Franqueando al artista Hernando Urrutia

Franqueando al artista Hernando Urrutia

Franquearte nace del estudio de los fenómenos artísticos contemporáneos en busca de soluciones viables y auto sostenibles para el desarrollo del medio y la maduración artística. Así nace Franqueando un apartado de "Polifranquearte", (base investigativa) que se enriquece de entrevistas y testimonio de diversos creadores, artistas y profesionales del medio con una trayectoria destacable.

Bajo esta iniciativa, tuvimos la oportunidad de entrevistar al carismático, curioso y vanguardista Hernando Urrutia,  investigador y artista multidisciplinario, con una trayectoria sumamente interesante y rica en experiencias. En su web encontramos infinidad de material documental sobre sus obras tanto a nivel teórico como práctico... Pero en polifranquearte queremos conocer un poco más sobre el autor detrás de la obra... 

 

¿Quién es Hernando?

Agradezco la generosidad con que se refiere a mi, pero Hernando es un individuo como todos… que pasamos por diferentes fases de nuestro desarrollo personal, intelectual, académico y de experiencias, es todo lo que leemos, oímos, vemos y escribimos, lo que realizamos en acciones, sean estas banales o con un cargado contenido poético, sean estas artísticas o no…. Como todos, soy el resultado que engloban las experiencias vividas, lo que absorbemos en nuestro entorno y las diferentes culturas que asumimos, lo que uno fue, es y será, uno es un compendio de las vivencias y circunstancias… cada uno es lo que siente que debe ser, en mi caso yo sentí desde muy pequeño una atracción y sentido especial de sensibilidad en el campo de la creatividad, de la área artística…

Soy un ser que siempre se sintió seducido por diferentes áreas artísticas, en el cual realizaba algo de cada una, pero siempre con especial deseo en las artes plásticas, el diseño y la música, que después se tornan… los pilares de mi búsqueda, que inicialmente eran solo deseos y placer de expresarme y sentir la creación en mis manos, el placer que producía la creación el feedback que nos retroalimenta, que después se tornan pilares de mi inquietante exploración.

Hace muchos años atrás hasta ahora, lo que soy actualmente, o por lo menos me considero aún un explorador inquietante, un creador que le gusta ir en la vanguardia, que trata de quebrar barreras, en busca de la provocación, de lo subversivo y que dentro de mi contexto pretendo crear reflexiones en mi trabajo, que no siempre formulo respuestas, mas bien creo interrogantes en mi publico, esperando generar reflexiones en el espectador, creando nuevas formas narrativas como respuesta a los conceptos dentro del interés de mi investigación, me considero un artista multidisciplinar.

¿Cómo llegaste a ser el artista que eres hoy?

No sé si en todos los artistas se da, pero creo que como todos los artistas, es un camino que se va dando y que nosotros sin querer exactamente lo vamos labrando, pues mi deseo de creación constante me llevo a pensar que podría ser arquitecto, cuando era aun un niño nunca pensé que podría ser artista, solo sabia que tenia una fuerte inclinación hacia lo estético y su creación en sus diferentes manifestaciones. Que luego cambio llevándome para las artes visuales y después no vasto y estudie diseño, mas tarde me torne docente universitario, mis exposiciones iniciales eran muy furtivas y casi por casualidad, no estaba muy interesado en participar, después de un periodo en que me dedique a la creación en el área del diseño, y a la docencia universitaria, tuve la necesidad de escribir y clarificar mis ideas con respecto a cuestiones derivadas de la estética y comencé escribiendo e investigando sobre varias reflexiones, que me interesaban en el momento, luego apareció el deseo de dar forma al pensamiento critico y reflexivo que estaba suscitando en mi los deseos de explorar, de experimentar, volviendo a mi el ímpetu de plasmar mi proceso, por que para mi siempre fue primero lo intelectual que lo intuitivo, en la experimentación a largo de mi creación artística. Creo que desde mi Doctorado en Media-Arte Digital, tuve una mayor conciencia de las posibilidades, de los nuevos medios, aunque ya los trabajaba anteriormente, desde el ámbito del sonido, donde en el pasado estuve siempre conectado a la vanguardia de la creación sonora, además de la experimentación de la imagen desde la fotografía, el vídeo y las diferentes técnicas de las diferentes áreas artísticas que las utilizaba y fundía en busca de nuevas formas de expresión, el acercamiento a la Media-Arte Digital ayudo a reforzar en mi un mayor sentido de apropiación y fascinación por la tecnología, lo que hizo un viraje a nuevos lenguajes de expresión para la creación de mis nuevas obras.

¿Qué te inspiro a dedicarte a la investigación a través de la expresión artística?

Como siempre he dicho “El querer saber es un proceso de humanización, de allí surge la preocupación estética que supone la reflexión ontológica y antropológica al mismo tiempo”.

Y como lo dije anteriormente tuve la necesidad de investigar sobre varias reflexiones que me interesaban en el momento, para dar forma al pensamiento critico y reflexivo que estaba suscitando en mi proceso de búsqueda. Creo firmemente que todo artista que trabaja en el ámbito dela vanguardia debe ser un investigador… de una o otra forma, sea este formal académico en su metodología o de carácter menos riguroso, creo que todo el que busca romper lo establecido y encontrar nuevas formas narrativas en la experimentación, sean estas del índole que sean… 

Creo firmemente que todo artista que trabaja en el ámbito dela vanguardia debe ser un investigador…

Debe tener un pensamiento crítico y de investigación, pues en este momento de las artes contemporáneas es imprescindible que sus creadores tornen el desarrollo de sus trabajos como parte de una investigación para su fundamentación, pues el ser investigador es una necesidad del artista actual, pues cada vez el artista esta mas formado en su profesionalización, tiene mayores posibilidades académicas y en áreas mas especificas, lo que ayuda a crear un ámbito mas intelectual y experimental en sus obras. Además cada vez los Salones, Bienales, Festivales y Encuentros de Arte Contemporáneo, en Museos, Galerías, Instituciones Culturales y Residencias Artísticas, son mas exigentes y sus Directores Artísticos/Comisarios, requieren una mayor fundamentación de parte de los artistas para seleccionar sus obras, pues las obras de arte contemporáneo requieren de una base de sustentación acertada.

¿Cuándo supiste que era el arte y no una ciencia más específica para descubrir estas respuestas que buscabas?

El arte es siempre el que conlleva la parte poética del discurso y quien nos motiva, la ciencia en mi caso creo que se funde, la ciencia (tecnología) me sirve como herramienta de trabajo para desarrollar mis propuestas… esto viene desde muy temprana edad, donde siempre tuve un interés por lo nuevo, lo transgresor… y nosotros los artistas contemporáneos, estamos llamados a desarrollar nuestras obras a partir de las tecnologías/herramientas que son propias de nuestro tiempo.

El arte siempre será la base de mi trabajo, es el que motiva mi proceso de creación, y no la tecnología, la tecnología solo es la que me permite llegar a dar las respuestas a mis deseos de plasmar aquello que me interesa desde un ámbito experimental y actual, desde una diversidad de nuevas formas de creación que las artes tradicionales de las cuales viene mi formación inicial, no me lo permiten.

¿Dónde se encuentra Hernando hoy con respecto a su carrera? ¿Qué buscas ahora?

Creo que estoy nuevamente en el inicio… como artista emergente, pues así llevemos años en nuestra carrera, cuando nosotros cambiamos nuestra forma de crear y utilizamos nuevos medios y herramientas, esto nos lleva nuevamente a la base, a la experimentación, claro estamos con un pensamiento mas profundo y con una experiencia que nos permite llegar a donde queremos mas rápidamente, pero a nivel técnico estamos nuevamente recomenzando nuestro camino, experimentando y encontrando nuevos caminos para expresar nuestro conceptos y fundamentos de lo que es nuestro centro de interés.

Busco seguir explorando nuevas formas de conectar al público con la obra, nuevas formas de afrontar los desafíos que yo propio me impongo.

¿Qué falta?

Falta mucho por recorrer, creo que estoy realmente en el inicio de esta nueva faceta artística del arte digital y el video arte que trabaje en el año 1989, hasta el 1991, y que comencé nuevamente en el 2013, el cual volví a reencontrar después de muchos años, donde en el año de mi inicio la tecnología no estaba muy desarrollada para la creación amplia en la experimentación, se trabajaba con las herramientas que existían, lo que nos tornaba muy recursivos y analógicamente experimentales. Falta algunos proyectos de experimentación en el espacio público, aunque ya he conseguido trabajar algunos, estoy en proceso e investigando como poner en practica la “sonification” de la imagen para aplicarla como factor de intervención del propio espectador dentro de la obra, no solo como participe de la parte visual, sino de la sonora también, dentro de un performance al vivo de imagen y sonido, tanto del artista como del espectador en una interface, creando lo que llamamos en el ámbito del Media-Arte Digital, la interacción y la reverberación, como factor de inclusión en la creación, entre otras. Creo que siempre habrá algún interés por desarrollar y siempre faltará algo por realizar.

¿Cuándo sientes que ha llegado a su final una obra?

Creo que una obra esta para mi terminada, cuando me encuentro satisfecho de la conexión que existe entre mi fundamentación y la materialización de su resultado, cuando técnicamente esta bien realizada, cuando cada por menor esta bien colocado, cuando rigurosamente la visualizo y la escucho, cuando se trata de video arte o arte sonoro, hasta que la encuentro que está realmente como deseaba… allí la obra esta terminada, no para el espectador si no para mi, debo estar completamente satisfecho con ella… ella debe estar siempre terminada para mi antes de ser mostrada, pues soy muy autocritico.

¿Tienes alguna posición con respecto al post-arte?

Realmente que se pretende decir con el post-arte… nunca lo entendí, pues se pretende decir lo que viene después del arte, como si el arte acabase… disculpe pero el arte no acabará mientras exista el ser humano que es el generador del mismo arte.

El arte es la manifestación del ser humano donde puede decir lo indecible, donde puede manifestarse, preguntarse, plantearse una cantidad de posibilidades de narrar y exponer diversos planteamientos de su existencia… podrán cambiar los lenguaje, las herramientas y la forma de plasmar las obras, dando respuestas con diferentes formas de asumirse dentro del contexto, mas no la esencia del arte, el arte contemporáneo, el arte actual necesita ser conceptualizado, mientras este sea contextualizado y donde su problema de carácter estético  manifieste de cierta forma un interesante rompimiento o nueva forma de abordaje este será valido.

Ahora se habla de la ridiculización del arte, por quienes no lo entienden, o no están en capacidad, pues carecen de las herramientas para una adecuada lectura, sobre todo en lo referente al arte conceptual… pero eso sería muy extenso para plantearlo en una entrevista, ¿será que el arte como lo asumieron y lo entendieron nuestros antecesores, en su contexto y tiempo, si lo proponemos en la actualidad, no es arte…?, eso claramente lo sabemos… queda lo que fue parte de la historia del arte… y sus importantes aportes, pues debemos conocer nuestra historia y como fue asumida en su momento para poder entonces plantear nuevas posibilidades o paradigmas, pero realmente si alguien pinta una naturaleza muerta o bodegón como era entendida en su auge, en el siglo XVII, seguramente que ahora en esta época del siglo XXI, no sería una obra… sería un ejercicio técnico, como muchos de los que hice cuando estudiaba, un simple ejercicio técnico, importante para ayudar a desarrollar mejor las diferentes técnicas, ahora si la cuestión que se subraya es sobre el realizar arte, este debe romper o crear una nueva dialéctica, con nuevos mensajes y lenguajes, que permitan la exaltación y la reflexión del espectador, allí ese bodegón asumido desde esta nueva perspectiva, es posible que se torne una obra de arte, ahora cuando hablamos de los valores estéticos, el mirar que siempre tiene una tendencia subjetiva en el arte, los amantes del clasicismo artístico que se basan en los cánones de la belleza clásica, donde su fundamento es la el manejo impecable de la técnica… ciertamente que el arte conceptual, no será fácil de digerir y mucho menos de acercarse para tratar de entenderlo, por que desde ya tiene una barrera de choque estético, se torna un problema netamente estético, donde se plantea que es lo bello, donde la educación visual artística contemporánea juega un importante papel, pues el ser humano contemporáneo debe acompañar los avances de la actualidad, pero no solo en las tecnologías de la cotidianidad, los llamados “gadgets” tecnológicos, si no al pensamiento contemporáneo, que implica una mayor abertura a lo nuevo, a la reflexión y critica que nos deparan las nuevas manifestaciones artísticas para conseguir acompañar la contemporaneidad, pues una mente conservadora y poco abierta a los cambios que constantemente nos propone el arte contemporáneo, no conseguirá asumir las nuevas propuestas que esta nos presenta.

Después de haber viajado por todo el mundo con tu arte, ¿Cómo ves el futuro del arte?

El arte contemporáneo siempre ha sido complejo en su estructura dentro del circuito, pero solo con un verdadero trabajo se llega a el, independientemente del área artística en que se desarrolle, estar en el circuito te permite estar constantemente con criticas de tu trabajo lo que viene a enriquecer el mismo, es un feedback constante de tu trabajo, lo que accede además de tu mirada crítica, el madurar tu obra.

Para hablar del futuro del arte si me permite lo hare desde mi ámbito del video arte, el arte digital  en general desde el área del Media-Arte Digital, en esta área en la cual se esta desarrollando cada vez mas obras en los diferentes contextos de la tecnología, se están abriendo nuevos canales de difusión, de experimentación con los llamados (Lab) laboratorios para poner en practica estas nuevas experiencias de áreas multidisciplinarias, donde cada vez existen mayor cantidad de Festivales y conferencias internacionales en la investigación de nuevos artefactos y sus formas de fundir la tecnología y el arte, creo que es e camino del futuro en el arte, creo que es un claro surgimiento en todo el mundo de los nuevos lenguajes y medios expresivos de tecnológicos como formas expresivas.   

¿Qué le dirías a un autor emergente hoy?

Después de 32 años de carrera profesional… que empecé a los 22 años, creo que yo ahora me encuentro en el mismo lado de el, pues ahora me siento nuevamente un artista emergente, por que estoy recomenzando nuevamente desde el ámbito del arte digital y del video arte como lo dije anteriormente… pero con la experiencia de carrera le puedo decir que si deseas ser un artista emergente y llegar a ser reconocido o por lo menos que tu obra sea vista en varios sitios del mundo, debes seriamente trabajar con dedicación a aquella área artística que mas te apasiona, solo la pasión permite dar un gran tiempo para el desarrollo de nuestro trabajo artístico, tienes que adorar lo que haces, tienes que disfrutarlo plenamente.

Además debes siempre tener una sustentación teórica, un fundamento de tu trabajo, por que el dominio de la técnica por la técnica de nada sirve si no dices nada, eso lo sabemos todos los que nos encontramos dentro del área del arte contemporáneo… pero es bueno no olvidarse, ni siquiera por un momento, si no difícilmente conseguirás postular tus proyectos a diferentes convocatorias, sean estas regionales, nacionales o internacionales, para llegar a los mecanismos de la legitimación del arte, como lo son los Salones, las Bienales, los Festivales, los Encuentros, y las Residencias Artísticas, además de las exposiciones en Museos, Fundaciones e Instituciones culturales.

Siempre debes buscar ir mas allá, nunca quedarte allí con lo que estas satisfecho, debes siempre ir en busca de la provocación, de lo subversivo, de nuevas posibilidades, en la investigación, en la experimentación para su puesta en practica…

 

 

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Historia de Venezuela en el siglo XXI

HISTORIA DE VENEZUELA EN EL SIGLO XXI

PROYECTOS PRESENTADOS

NO + MIEDO - UN CIRCULO AZUL Y ROJO por CORINA LOPEZ DE SOUSA

VOTO por JOAO FRANCO

SER RICO ES MALO por NATHANIEL ARAUJO

LO QUE PASA EN VENEZUELA 2017

Acción artística, proyección de fotografías y vídeo con imágenes que representan la situación actual del país. Material registrado tanto por fotoperiodistas como por ciudadanos anónimos. Ambos, ejerciendo un rol en informar, desde sus concepciones, la crisis social que se vive en Venezuela.

 

Acción sin fines de lucro, ni partidismos. No fijamos tendencia política, no somos ni de izquierdas ni de derechas. Somos un grupo de autores, queremos expresar las angustias vividas por nuestros familiares y amigos. El hambre, violencia y desazón. Estados que reinan en la cotidianidad del venezolano.

 

La finalidad es crear espacios para el debate y la libertad de expresión. Informar, opinar y compartir. Que el transeúnte pregunte, que se lleve el deseo de investigar y finalmente se forme su propia opinión. Salir del veto informativo. Es un trabajo con las comunidades, en lo local. Y así con pequeñas acciones motivar a que se conozca la dramática situación que atraviesa Venezuela.

 

Proyecto desarrollado en colaboración con el colectivo de artistas @mujeresdebronce y La Organización Nelson Garrido sede Madrid. En especial a todos los fotoperiodistas, actores sociales y ciudadanos que día a día arriesgan sus vidas en miras de registrar la situación que se vive en el país. A ellos, nuestros infinitos agradecimientos. Y por último, cada una de las personas que impulsan esta misma acción en diferentes ciudades del mundo.

 

Seguiremos en la calle, en actividades, tanto proyecciones como performances y acciones fotográficas mientras la situación en el país siga igual.

 

 

@mujeresdebronce

@laONGmad

facebook.com/LAONGMadrid/

 

 

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Réplica de Juan Francisco Gómez

Réplica de Juan Francisco Gómez

  En esta ocasión volvemos a presentar "réplica" de Juan Francisco Gómez pero en un nuevo formato que nos abre un rincón para compartir experiencias, musas, trovas, poesías en un nuevo espacio que abre sus puertas a la cultura: Mür Café en Plaza Cristino Martos, 2, 28015 Madrid.

Fotógrafo madrileño con un Máster en fotografía de Autor y Proyectos Profesionales y ganador de The CALM Photography Movement 2017, lleva varios años explorando el mundo de la fotografía en sus distintas vertientes,  interesándose  particularmente por la salud mental y las emociones. De ahí surge este proyecto “Réplica” en el cual mediante una serie de fotografías plasmó un diario personal compuesto por diez imágenes asociadas a recuerdos y sensaciones vividas a lo largo de un periodo de dos años en los cuales vivió muy de cerca las  enfermedades mentales, queriendo señalar como condicionan nuestra vida y la de la gente que nos rodea.

Un ambiente acogedor que recibe esta primera propuesta para reflexionar sobre las enfermedades mentales, no solo desde quien la padece, sino también desde aquellos que se mantienen al lado de esa persona quien atraviesa por las vicisitudes de cada episodio.
Los invitamos a participar de una convocatoria abierta a diversas propuestas para compartir una noche bajo el techo de Mur Café y acompañado del autor, su diario visual y sus canciones...


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Ha llegado el momento! El próximo jueves 13 de diciembre a las 20h.