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Ferias de Arte
Ferias de Arte
Tras la intensa semana del arte en Madrid 2022 hemos recogido algunas curiosidades generales que surgen sobre las ferias de arte; haciendo un breve resumen de su origen, función dentro del mercado, tipología de coleccionistas y más importante aún ¿son para mi las ferias del arte?
El origen de las ferias data de los "Salones de París" desde el siglo XVII al XIX donde la academia y los salones marcan el devenir del arte. Caracterizándose por el carácter anónimo del visitante; ser de venta directa al público asistente y; que tienen lugar de forma periódica.
Desde entonces las ferias de arte se han convertido en una convención de galerías que montan sus stands para exponer y vender obra. En pocas horas / días los coleccionistas pueden ver directamente un gran número de propuestas, comparar y comprar fácilmente 🖼 🛒
* Algunas galerías confiesan que el 70% de sus ventas pueden provenir de las ferias *
Aprovechando la rapidez, la asistencia de un público masivo, los contactos que se hacen, la difusión y los negocios que se generan.
A diferencias de las exposiciones y bienales donde se busca hacer una presentación mucho más prolija sobre los artistas y sus propuestas; en una feria se dirige a una muestra masiva dirigida al mercado 💹
Hoy en día existen infinidad de ferias geolocalizadas estratégicamente 🌏 y en algunas ocasiones segmentadas a un tipo de arte y público concreto. Como en este video te mostramos Salón de Arte Moderno (SAM) que como su nombre lo indica está dirigida a ARTE MODERNO, donde participan grandes galerías (en su mayoría del territorio español) que tienen en su haber obras de artistas consagrados valorados entre 5 y 7 cifras 💸como Dali, Andy Warhol, Tapies, Picasso, Miro...
¿En una feria de arte solo participan galerías?
En principio si, las grandes ferias de arte solo participan artistas representados por galerías de arte que son quienes invierten en el stand para llevar obras de sus artistas seleccionados, es lo usual. Sin embargo, con el paso de los años se han creado otros formatos de ferias más pequeñas enfocadas en Arte Emergente donde se la da la oportunidad a los mismos artistas a gestionar su propio stand de forma individual o grupal.
Así que por el lado positivo no dependes de que una galería te represente para poder acceder a este circuito, haces tus propios contactos, y la comisión de la galería la puedes reinvertir en tu promoción o plan de marketing; el lado negativo es que debes autogestionarte por completo (inversión, promoción, producción, montaje, negociación, etc, etc, etc).
Ejemplo de este tipo de ferias de arte emergente que tenemos en la semana del Arte en Madrid a HYBRID ART FAIR, una pequeña feria de tan solo 6 ediciones que se realiza en un pequeño hotel en el centro de la ciudad. Ellas se describen como: "un evento dinámico que ofrece un programa de exposiciones atípico basado en las prácticas experimentales y los proyectos site-specific. La feria ofrece un abanico de propuestas independientes locales e internacionales y es un reconocido trampolín para artistas emergentes.
La exposición se emplaza en un entorno especial, las habitaciones de un hotel. Esto, unido al programa artístico transdisciplinar de la feria, crea una experiencia diferente y única para los visitantes en la que destacan el contacto directo con artistas y los proyectos de comisariado inmersivos. La feria es además el lugar perfecto para adquirir piezas únicas de arte contemporáneo a precios asequibles." * Hablamos aquí de que puedes encontrar piezas desde 2 cifras en adelante.
Esta catalogada como una de las ferias más entretenidas de la semana del arte y que año tras año se va posicionando como una visita indispensable durante la semana del arte en Madrid. Por lo que si lo tuyo es participar en una feria te sugerimos seguir de cerca las convocatorias que realizan para poder participar como artista independiente o unirte como colectivo artístico.
Y aunque todo puede ser valido para mercadear arte, no debemos confundir la feria de arte de los bazares, mercadillos y otros tantos formatos posibles de comercializar, donde se tiende a cruzar esa la delgada línea entre artesanía, productos decorativos y obras de arte. Las ferias de arte se caracterizar por exhibir piezas únicas y de colección de la autoría exclusiva de artistas para los diversos tipos de coleccionistas.
Lo que nos lleva al siguiente punto...
Tipología de Coleccionistas
A grosso modo podríamos decir que existen 3 tipos de compradores de arte:
- Por Inversión:
son coleccionistas que “consideran los objetos de arte como parte de su cartera de activos y que ponen el énfasis principal en el mantenimiento de valor y en sus incrementos.”(1) Características: estos son los coleccionistas que invierten en fondos de inversión en arte; tienen un poder adquisitivo alto (por encima de los 10.000€); no compran impulsivamente y suelen pagar a asesores especializados previamente a su compra.
(2) Lectura recomendada: "The Art Market 2021" reporte sobre el mercado del arte.
- Por prestigio o tradición:
Coleccionistas que compran arte con pretensiones; “considera que la posesión de una buena cantidad de obras de arte maravillosas es una manera personal de afirmar su posición en el mundo del intelecto, las ideas y el materialismo”. Ejemplo: cualquiera puede tener 2 jets, 4 yates, 10 coches de lujo, pero solo una persona puede tener "El sueño de Dali" cotizado por 70 millones de pesetas equivalente a medio millón de euros) o la obra del artista del momento o una colección de Pablo Picasso.
Por último y no menos importante tenemos a los compradores
- Por Amor:
Aficionados al arte que se sumergen en el circuito con una pasión, por hedonismo y belleza, por conexión intrínseca, por lo que expresan y lo que les hace sentir. Aquí encontramos una segmentación mucho más amplia de compradores ya que pueden comprar por apoyar su artista favorito (invirtiendo desde 1 cifra) hasta comprando grandes obras clásicas por puro hedonismo ( pagando hasta 7 u 8 cifras)
Es importante resaltar que diferentes estudios académicos demuestran que ese " me gustó" o este "por amor" es el criterio más importante a la hora de comprar arte, ya que al pasar del tiempo muchas de las piezas requieren inversiones adicionales para su correcto almacenaje y mantenimiento, las cuales pueden no ser tan rentables para los inversionistas o los coleccionistas por prestigio.
Para cerrar nuestro recorrido 2022 por la semana del arte compartimos nuestro resumen sobre ARCO Madrid 2022, "la feria internacional de arte contemporáneo de España que, desde 1982, constituye una de las principales plataformas del mercado del arte, y pieza imprescindible en el circuito internacional de promoción y difusión de la creación artística." Una de las más importantes a nivel Europeo y con una variedad de artistas consagrados y promesas del arte valorados sobre las 5 cifras. En otras palabras, una pieza expuesta en ARCO es señal de tener una carrera prometedora en el mundo del arte (en el caso de artistas activos), y de ser una buena inversión (en el caso de coleccionistas) según asegura el prestigio de las galerías que pueden acceder a esta feria.
Ahora te toca a ti ¿Te gustaría participar en una feria de arte y no sabes introducirte en el circuito del arte?
Aprende a gestionar tu carrera artística para entrar en el circuito del arte con nuestros programas Psicofranquearte (de formación) y Transfranquearte (para gestión cultural).
(1) Esta clasificación no es oficial, pero sirve de referencia, y ha sido extraída del libro “Conversaciones con coleccionistas de Arte Contemporáneo” de Luis Caballero, José María de Francisco, Antonio Escudero.
Copyright © Franquearte Vive el Arte, 2022. Todos los derechos reservados.
MartaRebato
Marta Rebato
Inicio mi andadura creativa de forma autodidacta, investigando, observando la forma, el color, la luz. Siempre con un cuaderno de dibujo y lápices en la mano, cartulinas, pegamento, botones, telas, barro o cualquier materia transformable en algo, convierto el juego de crear en una pasión que nunca me abandonará.
A los 15 años realizo mi primera exposición en una pequeña librería del barrio de Sant Gervasi, en Barcelona. Seguirán otras en diversos espacios culturales hasta cumplir los 18 años.
Termino el bachillerato superior con esa edad e ingreso en IADE para estudiar interiorismo y tres años después, técnicas murales en artes y oficios, compaginando de forma privada, dibujo, pintura, escultura y fotografía.
Continuo exponiendo en espacios culturales hasta que en 1985 realizo mi primera exposición individual en la Sala Bonanova. Un año después, tras una exposición de escultura y pintura en la sala Pablo´s, el interiorista Sanchez Toledano me invita a colaborar con su equipo. Con él permanecí siete años creando esculturas, murales e instalaciones en diversos espacios de ocio, tanto en Cataluña como Zaragoza, Navarra o Madrid entro otros.
En 1999 me traslado a Madrid para formar parte de la iniciativa Pueblo Artesano. Establezco mi Taller y participo en diversos proyectos artísticos a nivel nacional al tiempo que colaboro como escaparatista para la empresa Avon.
De repente, en el año 2000, entro en crisis. Me doy cuenta de que necesito mas y que el estilo de trabajo realizado hasta ese momento ya no me satisface. A pesar de tener una forma muy personal de expresión, libre en el color y la técnica, el fondo es academicista y estructurado, me aburre, quiero que lo aprendido me permita volar, ser yo de verdad, encontrar un nuevo camino en el que pintar para mi.
Durante seis años dejo los pinceles y me dedico a la artesanía.
En 2006 me traslado a la Manga del mar menor para montar un espacio donde vender mi trabajo artesano y exponer algunos cuadros.
Tal vez mi estrecha relación con el mar, mi pasión por la vida marina, la contemplación de la luz en el aire, en el agua o las meditaciones serenas e íntimas al bucear, permitieron una introspección que me llevó a descubrir lo que ahora soy como persona y como creativa. Lo curioso es que el encuentro con mi forma de pintar actual fue absolutamente fortuito, como un juego, un retorno al origen, a la infancia. Fue un salto cuántico a todos los niveles y sin duda, encontré el camino.
El mundo mágico, atávico, espiritual que se va desarrollando en el lienzo, transporta mi imaginación a lugares profundos de mi misma. Lugares inexplorados de la mente y el alma que a través de las formas se manifiesta.
Partiendo de un abstracto, las manchas y el color pautan el inicio del trabajo. Contemplo, miro, observo esas manchas y son ellas las que me guían descubriendo los personajes. El cuadro se llena de seres venidos de no se sabe donde que quieren contar su historia, seres con identidad propia que hablan individualmente pero que forman un todo con todo lo demás. Hasta que la obra no esta terminada no se que significa, tengo que volver a contemplar, observar y sentir, para descubrir el mensaje que tienen para mi, es entonces cuando las titulo.
Mi intención es que el espectador realice el mismo ejercicio, mirar, descubrir que mensaje tiene que ofrecer a cada uno lo contemplado, sentir desde dentro el secreto que envía privadamente al observador.
Expuestas en diversos circuitos artísticos a nivel nacional e internacional.
Próxima Exposición: IMAGINARIOS en La Gran Vía Cultural de Madrid desde marzo a mayo 2022.
Inauguración miércoles 9 de marzo desde las 20:00H en Gran Vía 9 (dentro del hotel catalonia); con un encuentro con la autora quien nos hablara de sus obras y su relación con 3 cuentos de reciente creación por la autora nunca antes expuestos en Madrid.
Ana María Coque
Ana María Coque
Docente de secundaria y autodidacta del arte. Nos cuenta la autora: "Empiezo a conectar con la acuarela por primera vez en septiembre de 2018 de la mano de Araceli García, con quien tengo la suerte de seguir estudiando.
En 2020 inicio algo más serio con ella, la formación del proyecto De lo espiritual en el Arte, a partir del cual me doy cuenta de lo que representa el Arte para mí, algo no separado de la espiritualidad y del conocimiento de mí misma.
Voy encontrando un camino en la abstracción del paisaje, exponiendo en junio de 2021 de manera virtual con Araceli."
Desde entonces Ana continua desarrollando su faceta artistica participando en diversas convocatorias y exponiendo sus obras en diversos espacios y centros donde ha podido comunicar su proyecto y conectar con otras personas sus inquietudes y descubrimientos que ha hecho en torno a su proceso creativo.
CV
EXPOSICIONES
● Donación de obras a ANAA (protectora de animales). 2021
● Exposición online De lo espiritual en el arte, con Araceli García. Junio 2021
● Participación con 3 obras en Puja solidaria a favor de Asociación Karibu (Marzo 2021)
● Participación en IX Exposición colectiva Haciendo Barrio 2021., Madrid (Mayo 2021)
● Preseleccionada para exponer en Certamen Revista Los ojos del Júcar (Mayo 2021)
● Exposición virtual VII Certamen Mundoarti, 2021. Participo con dos obras.
● Obra seleccionada para exponer en revista MAJ2021. Obra La alquimia del bosque
● Exposición colectiva De lo espiritual en el arte, dic 2021-feb 2022, en Mür Café, Madrid. Organizado por Franquearte y comisariado por Araceli García.
https://franquearte.com/loespiritualenelarte/
● Participación en VIII CONCURSO DE ARTES PLÁSTICAS DCOOP 2022, feb. 2022
● Participación en Concurso I PREMIO DE PINTURA NAUT ARAN - BAQUEIRA, feb 2022, AYUNTAMIENTO DE NAUT ARAN
PUBLICACIONES
● Participación en revista de arte Revistart, desde Mayo 2021- actualmente
https://www.revistart.com/ana-maria-coque-208/
https://www.revistart.com/ana-maria-coque-206/
https://www.revistart.com/ana-maria-coque-205/
FORMACIÓN ARTISTICA
- Técnicas en acuarela 2018- actualmente. Instructora Araceli García.
- Arte budista, Junio 2018- actualmente. Maestro Andy Weber
- Estudio de acuarela De lo espiritual en el arte (2020-21). La abstracción del paisaje
- El proceso creativo 2021-22. La Muerte, un camino hacia la Vida. Profesora Araceli García.
Copyright 2022 Todos los derechos reservados.
LoEspiritualenelArte
"De lo espiritual en el Arte" a "Círculo de Agua" colectivo resultante del trabajo artístico de los últimos 3 años que se consolida en el proyecto "Estratos del Tiempo" un libro de artístia que es una autentica joya de colección para su biblioteca.
Sus artistas te cuentan del proyecto aquí:
Exposición Colectiva: "Lo Espiritual en el Arte"
2022
Este año he visto que es verdad, el arte es capaz de crear magia entre las personas. De lo espiritual en el arte nació por esta razón y no he podido imaginar una mejor experiencia. ¿Cómo podemos descubrirnos para crecer?
Yo soy una acérrima creyente en el arte como proceso. Creo que el ser humano se mejora a sí mismo a través del arte, se plantea las grandes cosas de la vida, y las pequeñas cosas se vuelven motivo de felicidad.
En este curso hemos pintado y aprendido mil técnicas diferentes, pero lo más importante, es que lo hemos hecho viajando hacia dentro. Porque pintar no es solo deslizar el pincel, pintar va de entender el arte desde la raíz al mismo. tiempo que comprendemos nuestra esencia como seres humanos.
Araceli García
La exposición de la promoción 2022 tendrá lugar el viernes 24 de Junio desde las 19:30h en un encuentro con todas las autoras participantes en Wilko Art Gallery (Calle del Dr. Piga, 11 Madrid) de entrada libre.
Comisiariada por su profesora Araceli García; Gestión Cultural bajo el programa de transfranquearte de Franquearte Vive el Arte. Este año la muestra entra dentro del festival de muestra t "la cultura del orgullo" sobre ellas.
Ana Coque
Profesora de secundaria, cursé estudios de Ciencias, y aunque con una mente racional, siempre he sentido la necesidad de crear, desde la nada, una obra de arte.
Entiendo por hacer arte hacer algo mágico, y en este caso lograr que el espectador no se quede inmutable, así como me ocurre cuando creo.
Este proyecto es la continuación del año pasado sobre naturaleza abstracta, yendo más allá, sumiéndome en lo más profundo de mi psique, hasta la misma muerte, y regresar para llevarlo al paisaje abstracto.
El tema del proyecto es la Muerte, y como todo muere para renacer a la vida, también es la vida, dos caras de la misma moneda.
Carla de Vicente
Si alguien te pregunta acerca de los 4 elementos de la naturaleza, seguro que te es fácil identificarlos: agua, tierra, fuego y aire. No obstante, si hablamos de su significado la cosa se pone algo más complicada.
¿Te has preguntado alguna vez qué significado tienen los 4 elementos y cómo se interpretan? Es más, ¿has pensado cómo o si influyen en nuestra personalidad? o incluso, ¿has pensado cómo o si influyen en nuestro estado de ánimo? Todos y cada uno de ellos son nuestros centros de energía así que nos definen mucho más de lo que creemos.
Para este proyecto me he enfocado en el elemento TIERRA La tierra es un estado que representa lo sólido, aquello que podemos ver y tocor, y también
hace referencia al campo y a la agricultura, aquello que nos da de comer y representa la naturaleza más pura.
Se trata del elemento relacionado con la familia, la rutina y lo convencional. Si bien en nuestra vida hacen falta emociones, nunca sobrará esa parte racional de nosotros mismos que nos da la estabilidad, por eso, las personas necesitamos de este elemento que nos centra.
La tierra es un elemento femenino, simboliza la madre y la abuela, la estación del invierno y el invierno de la vida (la vejez), nos enseña a esperar y a dejar que las cosas sucedan a su propio ritmo.
Celia Guerrero
Luna de otoño;
voy vagando en la noche en torno al lago.. (Matsuo Basho, 1644-1694, periodo Edo del Japón feudal)
La contemplación de la belleza efímera de la naturaleza es una constante poética, espiritual, filosófica para múltiples culturas desde hace milenios. En la tradición japonesa, la práctica de los haikus se plantea como un camino de perfeccionamiento, una vía ascética hacia el autoconocimiento; una forma de meditación elevada,,
Al desafío de plasmar en una imagen la depurada fugacidad de este haiku, se une la profunda conciencia colectiva y llena de significados del misterio de la noche: lo oculto, lo oscuro, lo intimo. A ese vacío, a esa ausencia sin tiempo ni referencia que nos enfrenta a nuestro yo más profundo, se opone la luna. Dispensadora de luz, faro y guía ancestral, nos aporta su reflejo en el agua, creando aire, espacio, tiempo, y brindándonos una vía para encontrar nuestra propia luz. El paseo alrededor del lago se convierte en una contemplación, una exploración de nuestro propio reflejo; al atravesar ese espejo, viajamos de lo inconsciente a lo consciente, y con ello alcanzamos lo sublime, la calma.
Esta obra es un reflejo sensorial y emocional de esa gradual y serena transformación, que revela lo enriquecedor que puede llegar a ser alcanzar nuestro vacío interior.
Cruz Ciudad
Mediante el proceso creativo y desde mi experiencia vital, surge la obra compuesta por pequeños relatos de mi historia. Poesía abstracta creada. desde la inquietud, gracias al redescubrimiento de la acuarela y la vinculación con la naturaleza.
Acompañante, guía y confidente, el proceso creativo en mi obra se torna sanador mediante el ritual. El uso del humo, rastro y huella del fuego, se convierte gracias al proceso creativo en purificador y reconciliador.
"Transmutaciones", es el nombre que recibe la serie que surge del proceso creativo, mediante la investigación de la técnica de la acuarela y la manipulación del humo. Los elementos, Agua y fuego, cohabitan en un mismo espacio sagrado, creando una poesía visual, una poética de la materia como vehículo de expresión artística y soporte de conceptos místicos.
Se muestra una propuesta purificadora, basada en la emoción y originada por el diálogo entre la fluidez natural y azaroso de la acuarelo, y los velos misteriosos creados por el humo. Una armonía musical que establece la conexión entre materia, naturaleza y espíritu. La huella como registro, presencia y metáfora de la reconciliación. Conal de expresión que cohabita dentro del caos generado por el agua y el fuego y que mediante la resurrección genera un nuevo orden.
Gema Vega
Entiendo el arte como un proceso interior en el que las emociones emergen desde lo más profundo de nosotros acompañadas por el agua y el pigmento.
Esta emocionalidad se abre camino creando senderos, pliegues y surcos sobre ell papel y por tanto, sobre nosotros mismos.
El papel se arruga, se pliega, reacciona bajo la acción del agua, del aire y del tiempo.
Porque no hay arte sin cambio, sin proceso, sin modificación de la materia y de nuestro interior.
Leonor Berlanga
Toda obra es un reencuentro con uno mismo, con las emociones y sentimientos sembradas en nuestras vivencias, momentos que nos marcaron sin saberlo saltan delante de un lienzo en blanco. Buscan su forma y color en el azaroso encuentro de materiales y sustancias con reacciones, a veces tan imprevisibles, como nosotros mismos. Este punto de reflexión, me parece sencillamente emocionante, no concibo la creación sin investigación, sin sorpresa y sin dejarse llevar por el flujo de lo desconocido..
Los materiales utilizados en esta obra se organizan de forma circular, giran en remolino mezclando el munco natural y el artificial. Cenizas con barrro negro dialogan con pintura plástica y las resinas, que me ayudan afijar fijo al lienzo: los virutas de hierro oxidado, carborundo y arena clara.
El aluminio brillante, simboliza la nueva oportunidad que se abre en todo reencuentro, ya sea con nuestra almo, o con la de los demás.
Un cuadro es una puerta abierta a los sentimientos.
Liana de Plasencia
Para mi se trata de plasmar un proceso, no una obra en sí, una investigación a través de los materiales sobre la paradoja de lo estable y lo efímero en el paso del tiempo, lo que permanece en los recuerdos del pasado y lo que se desvanece, mediante la creación de ambientes difusos, oscuros y ojados, unidos a la contundencia del trazo y el rasgado,
El uso de materiales naturales como el barro, el óxido, el carboncillo y el grafito me generan una cierta melancolía y me llevan al pasado hacia imágenes de
paisajes en mi memoria, al uso de la arcilla en la infancia, la fotografía en blanco y negro, el humo y la cenizo.
Maite Rodríguez
Recuerdo desde niña estar rodeada de actividades artesanales, sobre todo relacionadas con la costura, el ganchillo y los bordados, sentada junto a mi madre y mi abuela, ellas cosiendo, yo dibujando, pintando y recortando papel o telas, fabricando los escenarios de mis juegos. Surge así, mi mundo de creatividad y fantasía en el que deconstruyo para volver a construir.
Me defino como directoro creadora apasionado de la acuarela porque dirijo mi mundo interior hacia el mundo exterior creando pequeñas obras que forman parte de mi alma.
La inspiración para iniciar mi proceso creativo nace de sentimientos, sensaciones, pensamientos y sueños que me sirven para buscar una idea de la que partir, después investigo y busco en la naturaleza formas, colores y materiales como conchos, hojas, ramas, que las llevo a imágenes surrealistas y por medio de los simbolismos que ocultan início una comunicación con la obra. También, me inspiro en las emociones que me genera la contemplación del mar, el campo cultivado, el sonido del aire o el canto de los pájaros. Estas sensaciones me ayudan a encontrar mi Yo interior, mi paz, el equilibrio entre mi mundo interior y el mundo exterior.
Pinto y dibujo como acto terapéutico que mejora mi bienestar emocional, mental y físico. Es un reto continuo de aprendizaje y superación, en el que busco poner en valor el trabajo mecitativo con uno mismo, canalizando la energía vital en el Arte.
Mercedes Cimas
Todas conocemos la fragilidad que existe en un castillo de naipes. Un empujón y todo se viene abajo. Así sucede con la vida, te avisa una y otra vez y si no lo escuchos, es ella quien te para..
Todo está en el aire, todo se puede perder en un minuto, aunque nadie, nunca, te quitará tu luz. Y tal vez resurjas, después, llena de fortalezas.
Trayectoria
Gracias a mi formación como fotógrafa, al estudio de lo composición y el color, la fotografía creativa y la acuarela abstracta se complementan.
En fotografía abstracto, es la propia naturaleza lo que nos brindo toda su belleza. Al disparar con mi cámara, busco inspiración y creatividad, sus colores están ya allí, yo sólo elijo.
En acuarela empiezas a transmitir sentimientos sólo con elegir el color de ese día, el pincel, la fuerza del trazo, la sutileza... decisiones que marcarán tu obra. Partiendo de la nada, es la belleza, luces, sombras, lo oculto... lo que aflora y sale de mi interior. Se trata de fluir. plasmar sobre el popel la imagen que llevo dentro, dejarme llevar, tal vez jugar, seguir mi instinto y desnudar mi alma.
Así, buscando mis sombras descubro, siempre, luz y color.
Nuria Recasens
Como artista me encanta aprender y descubrir nuevas técnicas y estilos,
creo que todo lo que aprendemos nos aporta una nueva mirada que enriquece los conocimientos previos. Mi interés por el figurativo me ha llevado a especializarme en retrato y la técnica del hiperrealismo, pero durante los últimos años, descubrir y trabajar el arte abstracto, me ha dado otra forma de entender el arte y de poder expresarme con él, enriqueciendo mi obra artística.
Cuando retratamos a alguien lo hacemos basándonos en su apariencia. Esta vez quiero cambiar el enfoque y retratar lo que en realidad somos. Cada uno de nosotros tiene un mundo interno que no se ve a simple vista. Nuestro físico no refleja nuestra esencia y los demás crean una imagen de nosotros basándose en lo que aparentamos ser. En esa mirada, no llegamos a ver de verdad al otro, no vemos su esencia ni su mundo interior.
Con esta serie, intento dejar al desnudo esos mundos internos, ex la verdadera esencia de cada uno de nosotros.
Susana Esteve
Versos que inundan realidades.
Tratando de abrazar palabras sin pronunciar Náufragas en un tumulto de posibilidades. Inventario emocional de hitos invisibles, imperceptibles, olvidados.
"Memoria de lo Intangible" es un viaje a las fronteras, a los vacíos apenas transitados por el miedo, por la urgencia de la vida. Una búsqueda, mi búsqueda, Hallar respuestas en lo aparentemente inexplicable, en las huellas que trazan el camino de la inconsistencia. Tal vez un intento por escapar del olvido, por ver al otro lado de la niebla.
Mi obra es un relato en primera persona con el que trato de ser honesta y de encontrar verdad. Nace de mis pequeñas batallas personales, de mis reflexiones sobre nuestro verdadero esencia, sobre mi propia existencia. De momentos declarados contra mi misma, de mis contradicciones y mis miedos. Es lo que soy y lo que fui. Tan sencillo; ton complicado.
2021
"Lo espiritual en el Arte" nace en los laboratorios de acuarela realizados durante el 2020 de la artista Araceli García inspirado en las enseñanzas del I Ching. De allí que las artistas: Ana María Coque, Carla de Vicente, Celia Guerrero, Cruz Ciudad, Gema Vega y Susana Esteve se reúnen este próximo martes 14 de Diciembre en Mür Café (en plaza cristino martos, 2) desde las 19:00H para presentar una selección de las obras más emblemáticas creadas durante el laboratorio.
Cuenta Araceli: "Este año he visto que es verdad, el arte es capaz de crear magia entre las personas. De lo espiritual en el arte nació por esta razón y no he podido imaginar una mejor experiencia. ¿Cómo podemos descubrirnos para crecer?
Yo soy una acérrima creyente en el arte como proceso. Creo que el ser humano se mejora a sí mismo a través del arte, se plantea las grandes cosas de la vida, y las pequeñas cosas se vuelven motivo de felicidad.
En este curso hemos pintado y aprendido mil técnicas diferentes, pero lo más importante, es que lo hemos hecho viajando hacia dentro. Porque pintar no es solo deslizar el pincel, pintar va de entender el arte desde la raíz al mismo tiempo que comprendemos nuestra esencia como seres humanos.
Dentro de esta revista sólo hay una muestra pequeña de maravillosas obras de arte que sucedieron en cada clase, en cada proyecto personal. Detrás hay todo un camino montañoso de aprendizaje, con sus altos y bajos, pero sobre todo, sin parar de jugar, atreverse y sorprenderse consigo mismas.
Han descubierto a su niña interior, han entrado en sus pozos profundos, han investigado y se han ilusionado con cada paso. Y el resultado está a la vista: en una imagen que os golpeará el alma. "
La exposición es organizada por Franquearte Vive el Arte y estará disponible hasta febrero de 2022 en el horario regular del local de Mie -Vie de 10:00H a 20:00H y Sab de 10:00H a 21:00H
Ana María Coque
El curso De lo espiritual en el arte ha supuesto un crecimiento personal y un comienzo como artista. Cada clase ha sido como ir a las profundidades del alma y traer un trocito de un tesoro que había escondido por algún rincón.
Araceli ha visto en mí más allá, desarrollando y potenciando mis habilidades para, a través del agua, expresar el mundo mágico de las emociones.
He podido llegar a una abstracción de la naturaleza y a un conocimiento de mí misma como ser espiritual, que trato de reflejar en las obras.
Tengo claro que no soy yo quien pinta, que sólo soy una herramienta al servicio de los demás, y en ese apartarme de la meta es cuando llega la conexión para ser creativa.
Carla de Vicente de la Guardia
Puedo afirmar sin dudar que De lo espiritual en el arte ha sido para cada una de nosotras como un viaje, una experiencia de vida que nos ha transformado y que formará parte de nosotras para siempre. A priori como grupo, sólo nos unía nuestro amor por el arte, muchas ganas de aprender y desafiar nuestros límites.
Hacer el camino en "manada" tiene un montón de cosas buenas, una de ellas es que cuando uno está bloqueado el grupo tiene la intención de animar y ayudar antes que cualquier otra cosa. A pesar de ser un curso impartido 100% online me he sentido acompañada por Araceli y cada una de mis compañeras, con la ventaja de trabajar en un entorno seguro y confortable como es mi casa, pero enfrentándome sola a cada uno de los ejercicios que nos planteaba.
En este curso he recibido más de lo que podía esperar. Llegamos como "orugas" y salimos como "mariposas" cada una con sus colores, su forma, tamaño y esencia. Ha sido un aprendizaje constante de gran valor que me ha formado como artista y como persona.
Celia Guerrero Jiménez
Primera nieve:
la justa para combar las hojas de los narcisos
初雪や水仙の葉のたわむ迄
(Matsuo Bashô, 1644-1694, periodo Edo del Japón feudal)
La contemplación de la belleza efímera de la naturaleza es una constante poética, espiritual, filosófica para múltiples culturas desde hace milenios.
En la tradición japonesa, la práctica de los haikus se plantea como un camino de perfeccionamiento, una vía ascética posible hacia el autoconocimiento. Una forma de meditación elevada.
Componer un haiku es transmitir la emoción intensa de una vivencia instantánea, llena de sutiles matices, con la máxima economía de medios. Expresar para los demás esa revelación personal nos sumerge en una búsqueda espiritual de lo esencial. Un camino hacia la conciencia plena y lo sublime, que tiene muchísimos puntos comunes con el proceso artístico de la pintura.
Esta serie surge a lo largo del curso 2020-2021 “De Lo Espiritual en el Arte” de Araceli García Romero.
Pretende acompañar, a lo largo de sus doce composiciones, la emoción efímera de la imagen de naturaleza que nos brinda este antiguo Haiku. Doce variantes para experimentar las sensaciones del peso de la nieve, de su resplandor, del leve crujido de los cristales de hielo, de la luz tenue de la incipiente primavera.
Un viaje sensorial y emocional hacia lo Espiritual en el Arte, que nos mueve y nos acoge.
Cruz Ciudad Boiza
“Transmutaciones”, es el nombre que recibe la serie que surge del proceso creativo, mediante la investigación de la técnica de la acuarela y la manipulación del humo. Los elementos, Agua y fuego, cohabitan en un mismo espacio sagrado, creando una poesía visual, una poética de la materia como vehículo de expresión artística y soporte de conceptos místicos.
“Transmutaciones”, es una propuesta purificadora, basada en la emoción y originada por el diálogo entre la fluidez natural y azarosa de la acuarela, y los velos misteriosos creados por el humo. Una armonía musical que establece la conexión entre materia, naturaleza y espíritu.
La huella como registro, presencia y metáfora de la reconciliación. Canal de expresión que cohabita dentro del caos generado por el agua y el fuego y que mediante la resurrección genera un nuevo orden.
Gema Vega Crespo
Siempre me ha fascinado todo aquello que convive con nosotros, nos influye o nos configura pero no se ve. Presencias constantes pero no evidentes hasta que un día, suben a la superficie y caemos en la cuenta de que siempre nos acompañaron en el camino. La intención de esta serie es la de investigar esos mundos que existen en el interior de este y comprobar cómo el papel, el agua y el color se modifican y se influyen mutuamente como en un espejo de la realidad.
No somos estancos, al igual que los materiales estamos influidos por las circunstancias que van poco a poco modelando nuestro ser. El aire, el sol o nuestras emociones, configuran el mapa de nuestra piel como el papel de arroz se arruga con el agua. Por su parte, la tinta lo permea haciendo
emerger lo profundo y modificando su fibra para siempre.
Es entonces cuando necesitamos abrir una brecha para comprobar que, sorprendentemente, en las profundidades abismales lo que encontramos es luz.
Y esa luz es una verdad que nos lleva a otro lugar.
Susana Esteve García
Las palabras no dichas, las emociones no procesadas, directamente del corazón al pincel, al fluir del agua y el pigmento. Visceralidad, intuición, conexión, VERDAD ... Son tantos los sustantivos y sin embargo siguen siendo insuficientes para poder expresar todo lo que supone para mí este apenas recién iniciado viaje.
Comencé De lo espiritual en el arte buscando un espacio en el que poder dar rienda suelta a mis anhelos creativos, acercarme a una técnica completamente desconocida para mí. No sólo lo he encontrado, el aprendizaje va más allá. Ir a la esencia, detenerme, reaprender, interrogarme, ... SER. Acuarela y alma, Arte y Espíritu. Un maravilloso camino que recorrer. Encontrar la luz es adentrarse en la oscuridad, averiguar quién eres es saber qué tienes que decir.
La acuarela que acompaño forma parte de la serie "IDENTIDADES", desarrollada a lo largo de este curso y con la que he querido investigar sobre el concepto de dualismo como eterno conflicto entre un Yo individual y un Yo social. Una búsqueda de la Identidad del Ser. Yo frente al mundo.
Gracias por tu dedicación, Araceli.
Colectivo Circulo de Agua es un colectivo de artísticas apoyadas por la plataforma de Franquearte Vive el Arte, contando con la gestión cultural, representación, comunicación y marketing cultural de la mencionada plataforma. Además de la consultoría y formación del programa psicofranquearte.
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Puñaito
Sala El Puñaito
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Puñaito de Arte y Vinos Con Cornelius y Unamuno.
El próximo viernes 19 de noviembre la atmósfera literaria de Libros de Arena acoge en esta ocasión los grabados, pinturas, dibujos, esculturas de los artistas Cornelius y Miguel de Unamuno Vera, acompañados de los vinos de Taninos Asesinos, bajo la organización de Franquearte Vive el Arte quienes nos invitan a degustar de un “puñaito” de artes para inspirar los sentidos, la curiosidad y las pláticas creativas.
Inauguración Viernes 19 de Noviembre 2021 de 20:00H a 22:00H en C/Capri, 15 Madrid | Entrada Libre | Aforo Reducido - Se ruega confirmación a franquearte@gmail.com con nombres de los asistentes y correo de contacto.
Sobre los Autores:
Cornelius Athe
Cornelius nace en 2014 como alter ego del arquitecto José M. Espinel. La relación entre ambos, sus contradicciones especialmente, son esenciales en el desarrollo del proceso creativo que se origina de forma autodidacta y en respuesta al sometimiento del sistema... Trabajo principalmente en la representación del espacio como elemento que relaciona todo lo que percibimos, con una necesidad por el respeto al medio ambiente y la autonomía de cada ser, a través de una notable influencia de la arquitectura y escultura contemporáneas. El objeto artístico resultante me permite expresar las ideas que van surgiendo, de una forma abstracta y universal, y es al mismo tiempo una terapia para la conexión entre mente y espíritu. Y es que la libertad que permite el trabajo sin encargos, ni normas que cumplir, es lo que añoraba en el ejercicio de la arquitectura.No creo en la inspiración, me encuentro produciendo de forma continua para conseguir el “momento creativo”, por lo que mi estudio-taller construido en mi casa a las afueras de la ciudad, me facilita la concentración y el fluir de las ideas constantemente. Mi proceso creativo comienza con las herramientas del arquitecto, tratando imágenes con programas de cad y convirtiéndolas en dibujos u objetos virtuales, creando un lenguaje propio. La realización es similar a un proceso constructivo.Los materiales que utilizo son, en gran parte, restos desechados a los que se da una nueva vida, libre de tóxicos con pinturas sin disolventes.
EN EL ESPACIO CORNELIUS
NO HAY OBJETOS
SÓLO QUEDA
LA ARQUITECTURA
QUE LOS RELACIONA
Miguel de Unamuno Vera
Miguel de Unamuno Vera nació en Zamora y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de grabado. Al terminar sus estudios se trasladó a Madrid, ciudad en la que vive.
Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, y ha sido seleccionado y premiado en varias ocasiones.
Su actividad artística ha transitado por el arte digital, el dibujo, el grabado y la pintura. Con un estilo figurativo, le interesa representar la figura humana como cauce plástico de texturas, colores y sensaciones que aluden, armoniosas o inquietantes, a vivencias presentes. Su obra actual muestra seres anónimos desdibujados por la superposición de rasgos que acaban anulando la esencia individual, detenidos en el tiempo y perdidos en una marea sin identidades.
Unamuno
Miguel de Unamuno Vera
Miguel de Unamuno Vera nació en Zamora y se licenció en Bellas Artes en la Universidad Politécnica de Valencia en la especialidad de grabado. Al terminar sus estudios se trasladó a Madrid, ciudad en la que vive.
Ha participado en exposiciones individuales y colectivas, y ha sido seleccionado y premiado en varias ocasiones.
Su actividad artística ha transitado por el arte digital, el dibujo, el grabado y la pintura. Con un estilo figurativo, le interesa representar la figura humana como cauce plástico de texturas, colores y sensaciones que aluden, armoniosas o inquietantes, a vivencias presentes. Su obra actual muestra seres anónimos desdibujados por la superposición de rasgos que acaban anulando la esencia individual, detenidos en el tiempo y perdidos en una marea sin identidades.
Andando en una calle de la ciudad la gente circula a tu alrededor y tú al de ellos, nadie para. Tampoco tus pensamientos que uno tras otro buscan dar significado a tu existencia… De repente algo te detiene, dejas de pensar por un instante y miras un rostro frente de ti, anónimo, irreconocible, podría ser cualquiera, pero no. Ese rostro se te hace familiar y despierta tu curiosa manía por razonar lo que tus sentidos perciben; por ponerle un nombre, un contexto que lo explique. Sin percatarte, esa persona que también te mira, imagina ¿Quién eres? (Pregunta que ni tú sabes cómo contestarte ciertamente.)
Lo que ocurra después dependerá de la fuerza de la energía que nos detuvo. La distancia que existe entre ambas imágenes especulares guarda un universo de infinitas posibilidades, ¿nos atreveremos a atravesar ese portal y compartir una realidad? O por el contrario ¿nos podrá el brío de la ciudad cegar de la posibilidad de quien pudimos ser a través de la mirada en esa otredad?
Las “Cabezas Cuánticas” de Miguel propone un análisis de la mecánica cuántica inscrita en este proceso, dejar que los fotones (esos halos de luz y color) regresen a nuestra retina y en ese proceso sináptico, entre millones de neuronas que las traduzcan y las liberen en realidades paralelas múltiples.
Por otra parte, la serie “Atrapados” ha sido creada a partir de diversas fotos escogidas al azar de fichas policiales obtenidas libremente del internet. Van desde acusados por multas de tráfico a asesinos en serie. Dibujados sobre papel en una superposición de rasgos de diferentes personas, etnias, sexos y edades. Buscando cuestionarnos acerca del control panóptico de nuestra época (en el que uno vigila a muchos). Y como nuestra privacidad queda expuesta a la libre interpretación de nuestra singularidad histórica y subjetiva
El autor invita con esta exposición a detenernos y convertirnos en una especie anónima que aprovecha vivir cada resquicio de libertad; que nos permite descansar de la idea de una imagen inamovible, fija y nítida de quienes somos y nos lleve a Ser Esencia y No Proyecto.
El próximo jueves 7 de octubre de 2021 a las 19:00H, Wilko Art Gallery y Franquearte Vive el Arte inauguran la exposición "Anónimos Cuánticos Atrapados" del artista Miguel de Unamuno Vera comisariada por Corin De Sousa.
Presentando una selección de las series “Atrapados” y “anónimos”, desde una perspectiva panóptica que nos hace cuestionarnos la vulnerabilidad de la privacidad de nuestra civilización. Pero además el artista presenta nuevas piezas de la ya conocida serie “Cabezas Cuánticas” con la que el autor invita a detenernos y convertirnos en una especie anónima que aproveche vivir cada resquicio de libertad; que nos permita descansar de la idea de una imagen inamovible, fija y nítida de quienes somos y nos lleve a Ser Esencia y No Proyecto.
Contaremos además con la videoperformance "La Mujer no Existe, solo existe una cada vez" creada por el colectivo CONJUNTAS P-r-y-c-t-s especialmente para "Anónimos Cuánticos Atrapados"; haciendo una lectura de la obra del artista a partir de una de las fórmulas del esquema cuántico de la sexuación del psicoanalista Jacques Lacan: “La mujer no existe”. En ella participaron las artistas Greta Hammond, Jimena M. Tercero, Esperanza Molleda, Julia Tazreiter, Ruth Carvalho, Araceli López y Denissea Nadeauh.
La exposición estará disponible del 7 de octubre al 1 de noviembre de 2021 de lunes a jueves de 18:00h a 21:00h en Wilko Art Gallery ubicada en Calle del Dr. Piga, 11, Madrid. Y podrás encontrar toda la información sobre la misma en la plataforma de Franquearte.com/Unamuno
Reserva una visita guiada escribiendo a franquearte@gmail.com
Serie: Cabezas Cuánticas
Los rostros y la figura humana han sido desde los orígenes de la historia los símbolos que han servido para representar las creencias, expresar la visión del ser y construir el universo de lo sobrenatural o cotidiano, para dejar constancia, intercambiar, transmitir sucesos y apreciaciones de su quehacer y modo de vida. Dependiendo de cada época o lugar, esta representación del ser humano ha evolucionado a través del tiempo consecuentemente con el desarrollo de las técnicas artísticas, materiales y los procesos sociales o culturales en los que se ha visto envuelto, lo que fija un cambio en el tiempo que refleja características y pensamientos de la evolución y desarrollo del ser humano y la sociedad.
Esta evolución cultural acarrea también la necesidad de gestión de toda esta información que facilite propagar el conocimiento entre sus coterráneos y su descendencia. A medida que van evolucionando los conocimientos y las técnicas, también evolucionan las formas de representación de toda esta información.
En la actual sociedad de la información y la tecnología hemos llegado a un punto en el que toda esta colosal búsqueda e ingente acumulación de datos solo produce una descomunal redundancia de información difícil de analizar, una maraña de ruido que acaba difuminando las ideas, confundiendo los mensajes, convirtiendo a las personas en meros algoritmos matemáticos, y que aplicado a las teorías físicas actuales se acabaría convirtiendo en un caos de ondas o curvas cuánticas, generando formas amorfas y confusas.
En mi obra represento mediante estas supuestas ondas cuánticas un personaje actual, anónimo, indefinido, impreciso, conformado por un cúmulo de seres semejantes pero diferentes, originando una figura borrosa, desdibujada y sin rasgos que la identifiquen, anulando así la individualidad e identidad personal.
Obra presentada en el 2019 en APPA ART GALLERY bajo la exposición colectiva "Resistencia Cromática"
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PawełSobczak
Pawel Sobczak
Paweł Sobczak, es un joven artista nacido 1997 en Mikołowie, Polonia, reside actualmente en Katowice estudiando Bellas Artes en la Akademia Sztuk Pięknych de Katowice. Trabaja, actualmente en Casa de cultura y enseña plástica a grupos infantiles. En 2021 fue la primera exposición en solitario del artista en Freezia, espacio expositivo en Valencia, además de llegar a exponer obras en exposiciónes colectivas en National Juried Exhibition The Delaplaine Arts Center United States, 2021, Utazu Art Bienall, Japón, 2020 y Equinox, Springfield, Estados Unidos, 2019.
Cuando yo era un niño
Cuando yo era un niño La infancia es una de las etapas más importantes de la vida, se construye nuestra personalidad, como también, quienes somos en nuestra vida actual. El primer olor de una tarta recién hecha, el canto de los pájaros, el sabor de un helado de vainilla, las sombras arrojadas por la noche de los coches que pasan cerca de casa. Esto crea un todo que da la receta de en quien nos convertiremos.
A menudo la infancia no va a la par con experiencias agradables que todo niño se merece. Influye el lugar de nacimiento, la religión en la que uno se crías, prejuicios de los padres, así como, sus adicciones.
Mi pintura es una forma de terapia, proyecto en ella cuestiones que no sé abordar de otra forma. Pintando escenas de mi vida descubro sus oscuras, como también, reveladoras partes. A la vez de mi desarrollo artístico crezco como persona. El retrato que aparece en los cuadros simboliza mi niño interior. Las historias que cuenta crean mis pensamientos, comportamientos y la persona que soy ahora.
Texto por la curadora: Cristina Gómez Palacios (FreeZia Concept)
Es la recapitulación emocional que todos deberíamos de hacernos alguna vez en nuestras vidas para entender la gran mentira de quienes somos. Eso que nos hemos construido con amplia dedicación a través de fragmentos distorsionados durante la infancia, trocitos de educación progenie y simbolismos arcaicos de religión y cultura, a eso que hoy denominamos Quien soy yo.
El artista Pawel Sobczack nos comparte el resultado de una terapia introspectiva y profundamente personal a través de un lenguaje pictórico completamente íntimo, controversial y puramente desgarrador que, aunque mantiene connotaciones propias de la Neofiguración, Sobczack lo define como un idioma intrínseco a la infancia, capaz de traducir los balbuceos incomprensibles de una realidad meramente incomprensible, la realidad de los adultos que sólo revela la delicadeza y fragilidad del Self.
Las piezas de Pawel nos esclarecen el sentido de la tragedia enalteciendo la soledad, la violencia o la degradación como los auténticos tesoros de la humanidad y desenmascaran la condición vital humana, la suya y la nuestra a través de manifestaciones destructivas. “Chico con un toro” o “Ráfaga” nos ponen en manifiesto la innegable paradoja de la humanidad; la creación y la destrucción, ahí radica la compleción del mundo.
Como si de un caleidoscopio se tratara, las pinceladas y contorsiones gestuales del trazo de Sobczack generan un extraño magnetismo enajenador de valiosa ambigüedad al espectador.
Jugamos y contemplamos la belleza de la compleción o sufrimos ante la ruptura de un mundo fragmentado por el juicio y los arquetipos que le condenan, según Káñina.
Así, kə lī′də skōp′ escrito bajo este sistema de lenguaje integrador, nos invita a desapegarnos de la idea que hemos construido y nos hemos dejado construir de nosotros mismos para enfrentarnos ante la auténtica verdad de nuestro ser. Al enfrentarnos de lleno a la obra de Pawel nos confrontamos con el único dilema existencial de la humanidad. Podemos sentarnos a sufrir o ponernos a jugar, en esa decisión está nuestra libertad de Ser.
EXPOSICIONES
Exposición individual-Imago Art, ul.Wolnosci7 Chorzówpolonia, 2018
Exposición individual-Nowy Dekameron, ul.3Maja19Katowice Polonia ,2019
Exposición individual - FreeZia Studio, Valencia, Spain
Exposición colectiva-Figurama,Rondo Sztuki, Katowice, Polonia, 2018
Exposición colectiva- Equinox, Springfield, EstadosUnidos, 2019
Exposición colectiva- Figurama, Rondo Sztuki, Katowice, Polonia, 2019
Exposición colectiva- Miesiac grafiki Katowickiej UMCS, Lublin, Polonia, 2019
Exposición colectiva- Schronienie, w Schronie Bojowym 27 Ruda Slaska, Polonia, 2019
Exposición colectiva- Utazu Art Bienall, Japón, 2020
Exposición colectiva- Miedzynarodowe Trienale Rysunku Studentów, Rondo Sztuki, Katowice, Polonia, 2020
Exposición colectiva -Process , Rondo Sztuki, Katowice, Polonia, 2020
Exposición colectiva-Figurama,Republica Checa, 2020
Exposición colectiva- PROYECTAR [SE] Colegio de Arquitectos de Toledo, Spain, 2021
Exposición colectiva- Infinity Art El Corte Inglés, Valencia, Spain, 2021
Exposición colectiva- National Juried Exhibition The Delaplaine Arts Center United States, 2021
Exposición colectiva- Exposición Trayectos Facultat de Belles Arts de Sant Carrles, Valencia, Spain, 2021
Exposición colectiva- Reflecto Facultat de Belles Arts de Sant Carrles, Valencia, Spain, 2021
PEMIOS Y RESIDENCIAS
Beca científica del Rector de la Academia en Katowice, 2019
PROYECTOS
Diseño de un espacio urbano por encargo del ayuntamiento de Chorzów ul.Wolnosci 3, 2019
estherperezdeeulate
Esther Pérez de Eulate
Próximas Presentaciones:
A partir del próximo 25 de mayo y hasta el 4 de Julio visita la exposición multidisciplinar de la autora Esther Pérez de Eulate "Amor que consume: Ni Venus, Ni Reinas" en EMMA (Espacio Mujer Madrid de la Fundación José María de Llanos) ubicado en calle de Martos, 15 28053 Madrid.
Exposición multidisciplinar enmarcada en las actividades del orgullo reivindicando la inclusión y el papel de la mujer en esta lucha por derrumbar los estereotipos canónicos de género.
Comenzando con la instalación inédita "Amor que consume": donde encontrarás tras los precintos policiales de "no pasar" la silueta de una mujer muerta que marca el lugar del crimen, rellena de objetos en forma de corazón... Cuenta la autora: "Me sorprendió ver cuantos objetos existen en el mercado con forma de corazón destinados al consumo femenino. Es una muestra más como el capitalismo refuerza ciertos estereotipos sexistas para vender. El amor romántico es uno de ellos. El título resume claramente este concepto artificial de amor asociado a la expresión “que consume”, mostrando su doble sentido: acabar con algo o comprar"
Mientras en el hall de la fundación podrás apreciar las series "Venus Domésticas" y "No somos reinas" (expuesta por primera vez).
Venus Domesticas busca romper los estereotipos femeninos con humor, acercando los dos extremos: la belleza ideal y el trabajo doméstico invisibilizado, a la vez que se relativa el primero y se dignifica el segundo. Así encontraremos collages con personajes icónicos con elementos de limpieza sobre estropajos.
Con "no somos reinas" la autora trata de cambiar la representación del poder en la mujer tradicionalmente adscrito exclusivamente a las reinas. Comenta la autora "De las pocas mujeres que han pasado la criba patriarcal de la historia oficial han sido en su mayoría reinas o princesas, y alguna mujer excepcional como Juana de Arco. "No somos reinas" reivindica la visibilización de las mujeres en general como agentes de poder. ". Fotos intervenidas que crean una identidad ficticia como si hubieran sido mujeres corrientes; sobre tapetes de ganchillo endurecidos, reivindicando la expresión artística femenina, prácticas creativas que han mantenido fuera del canon artístico.
La exposición contará con la visitas comentadas por la autora el día viernes 25 de Junio desde las 17:30H a las 20: 00H (cita previa - cupos limitados) seguido de la proyección del documental "Excluidas del Paraíso" acompañado de un debate que abre la autora sobre feminismo.
17:00H: 1era Visita comentada con la autora
17:30H: 2da Visita comentada con la autora
18:00H: Proyección del documental "Excluidas del Paraíso"
19:10H: Debate Participativo
* Entrada Gratuita con Aforo Limitado * Previa Inscripción *
Evento organizado por Muestra t de Madrid Orgullo junto a la gestión cultural de Franquearte Vive el Arte; comisariada por Corina L. De Sousa para el proyecto "Sabiduría Femenina"; en colaboración con espacio EMMA - Fundación José María de Llanos y con el apoyo Microsoft patrocinante oficial de Muestra t.
Te esperamos!
*Entrada gratuita a todas las actividades. Por motivos de las restricciones por covid se requiere inscripción al evento que puedes realizarla por:
Correo emma@fundacionjosemariadellanos.es
Teléfono: 917856234
O presencialmente en C/ de Martos, 15, 28053 Madrid Fundación José María de Llanos.
Ha desarrollado su carrera profesional principalmente en el sector audiovisual, compaginando con periodismo y arte. Entre sus últimos trabajos se encuentra el cortometraje “Gracias por protegerme” (2021), la exposición “Amor que consume, ni reinas ni venus” dentro de la programación de el orgullo21, y el vídeo de la webdoc “Héroes y superhéroes. Memoria y Naufragio” (2020), colaboración artística con Jacqueline Bonacic-Doric.
Excluidas del paraíso (2016) es su último largometraje documental, lleva más de 100 proyecciones en 35 países diferentes en los 5 continentes, y se emitió en ETB. El ICAA le otorgó la "Calificación de especialmente recomendada para el fomento de la igualdad de género".
Poética pública. PLAZA (2010) es su primer largo documental. Una apuesta poética radical, 7 años grabando desde una ventana fue el material para una película que nos cuenta la historia de la primera década del s XXI en este país , a través de la plaza del Museo Reina Sofía; recorrió festivales internacionales como Atlantidoc, Estambul, Festival de New Cinema de Split (Croacia), Semana de Cine de Mujeres de Cuenca, Urbantv, Lupa (otros festivales y muestras).
Lda en Periodismo (UPV), cuenta con experiencia tanto en prensa escrita como en televisión y radio (Canal +, Cinevideo20, Muy interesante, Radio Vitoria, entre otros).
Ha trabajado como realizadora, cámara y editora en más de 40 vídeos para fundaciones e instituciones como la Residencia de Estudiantes de Madrid, la Fundación Pablo Iglesias, Ipade, Mapfre, el Ayto de Madrid, Paz y Cooperación y Sgae... Ha colaborado con otros directores como cámara, realizadora, editora y guionista. Creó el primer taller de integración intercultural de vídeo con mujeres emigrantes en Madrid (Alcobendas 2005). Fue jefa de Estudios del Centro de Imagen y Nuevas Tecnologías del Ayto de Vitoria (1991-94).
Es autora de obras de vídeo-creación y arte, su obra Cotas de Infelicidad (2014) fue seleccionada en el reconocido festival de videocreación ruso NOW&AFTERS15 . Algunas de sus exposiciones, la individual Los deseos velan hasta lo deseado (Madrid, 2006) y las colectivas Transexualidad y feminismo (Madrid, 2004); y Déjame en paz (2014) y Los niños robados, entre otras del colectivo Generando Arte (Madrid 2014).
